Современная музыка

Краткая история современной музыки (обзор)

Под современной музыкой в настоящей работе мы будем подразумевать музыку, начиная с начала ХХ века и заканчивая нашим временем. Причём рассматриваться будет только зарубежная музыка. Причин этому две. Во-первых, ограниченность рамок презентации не позволяет охватить слишком большой объём материала. И, во-вторых, именно в зарубежной музыке наиболее заметно проявлялись возникающие время от времени новшества, тогда как отечественная музыка (в силу причин политического характера) в общем и целом следовала за мировыми находками.

В современной музыке довольно чётко просматриваются следующие периоды:

• академическая музыка начала ХХ века;
• футуризм 10-20-х годов ХХ века;
• джаз как массовая музыкальная культура Европы и Америки 20-30-х годов ХХ века;
• конкретная музыка 40-х годов ХХ века;
• рок-н-ролл 50-х годов ХХ века;
• рок-музыка 60-х годов ХХ века;
• музыка «диско» 70-80-х гг. ХХ века;
• музыка 90-х гг. ХХ века;
• музыка ХХ I века

Рассмотрим особенности каждого периода подробнее.

Академическая музыка первой половины ХХ века

В начале ХХ века в европейской музыке начинается новый период, соответствующий началу империализма. Этот период характеризуется интенсивными поисками новых средств выразительности. Музыка изобилует экспериментами. Появление транспортных путей, завоевания в ходе захватнических войн не могли не отразиться и на музыке. Характерным для мировой истории становится тесное взаимодействие культур разных стран мира, которые до этого момента развивались обособленно.

Имена известных композиторов этого периода: Джакомо Пуччини, Клод Дебюсси, Морис Равель.

Джакомо Пуччини (1858-1924)

Морис Равель (1875-1937)

Ария Каварадосси из оперы «Тоска» (1900 г.)

«Болеро» (1928 г.)

Музыка первой половины ХХ века (продолжение)

Большое значение для развития музыки имело появление и распространение звукозаписи и кино. Появляются первые электроинструменты, открывающих новый взгляд на природу и возможности звука. В 1901 г. появился Телгармониум – первый в мире электрический синтезатор, созданный американским изобретателем Таддеушем Кэхиллом. Исполнявшаяся на нём музыка была далека от совершенства и встретила немало противников в среде музыкантов. Однако, нашлись и сторонники «необычной» музыки. Одним из первых защитников новой музыкальной технологии был Феруччо Бузони (1866-1924) - влиятельный итальянский музыкант, композитор и учитель. Признавая важность огромного музыкального наследия Италии, Бузони, тем не менее, был неудовлетворен давлением традиционной музыки. Он интересовался освобождением музыки от ее “священных традиций”, не боясь нарушать правила, принципы, и "законы", которые тянули музыку в прошлое.

Сам Бузони своими работами никогда не преследовал развитие электронной музыки, но он защищал новые свободные формы музыки. Среди сторонников Бузони и его взглядов была малочисленная коалиция итальянских художников, поэтов, композиторов и авторов, которые стали известны как Футуристы. Около 1910 года один за другим появились несколько «футуристических манифестов».

Так, в октябре 1910 года композитор Франческо Балилла Прателла (1880-1955) сочинил свой «Манифест футуристов-музыкантов», где писал: «Надо ... перенести в музыку все новые перемены природы, укрощаемой человеком беспрерывно и всегда по иному, при помощи сложных открытий человека. Выразить музыкальную душу толп, больших промышленных складов, поездов, трансатлантиков, крейсеров, авто и аэро. Наконец, прибавить к огромным доминирующим мотивам музыкальной поэмы восхваление Машины и триумф Электричества».

Ещё один из подобных манифестов – работа «L’Arte dei rumori» («Искусство Шума») была написана в 1913 году интересующимся музыкой нового поколения итальянским живописцем Луиджи Руссоло (1885-1947). Вот некоторые выдержки из этого манифеста:

Музыка первой половины ХХ века (продолжение)

«Музыкальное искусство прежде искало прозрачной чистоты и сладкости звука. Позже оно смешивало разные звуки, чтобы услаждать наш слух нежными гармониями. Сегодня оно ищет смешения звуков наиболее диссонирующих, наиболее странных и резких. Так мы близимся к звукошуму. Эта эволюция музыки параллельна увеличивающемуся росту машин, участвующих в человеческом труде. В оглушающей атмосфере больших городов, также как и в прежде молчаливой деревне, машина порождает такое громадное число разнообразных шумов, что чистый звук, своей миниатюрностью и монотонностью, не создает уже никаких эмоций... Наш слух далек от того, чтобы этим удовлетвориться, он требует все новых, все более обширных акустических восприятий... Поэтому мы получаем несравненно большее удовлетворение, мысленно комбинируя шумы трамваев, авто, экипажей и крикливой толпы, чем при слушании, напр. «героической» или «пасторали». «Мы будем варьировать удовольствие нашего чувствования, различая бульканье воды, воздуха и газа в металлических трубах, урчанье и хрип моторов ... трепетанье клапанов, движенье поршней, пронзительные крики металлических пил, звучное скольжение трамвая по рельсам, щелканье бичей, плесканье флагов. Мы будем забавляться, мысленно оркеструя хлопанье входных дверей магазинов, гул толпы, различные гаммы вокзалов, кузниц, прядилен, типографий, электрозаводов, подземных железных дорог».

Луиджи Руссоло решает «установить и укрепить гармонически и ритмически все разнообразие этих шумов» и тем самым музыкально представить городскую симфонию. Он поясняет, что «речь идет не о разрушении движения и регулярных вибраций, но о простом фиксировании степени и тона преобладающей вибрации». И поскольку «каждый шум имеет свой тон, а иногда также и свой аккорд», то это «дает нам возможность практически закрепить шумы, т.е. определенное разнообразие тонов, без потери своего отличительного тембра». По Руссоло, выбор и координация шумов «обогатит людей неведомым наслаждением».

« Macchina Tipografica » (19 14 г.)

Луиджи Руссоло (1885-1947)

Джаз как массовая музыкальная культура Европы и Америки 20-30-х годов ХХ века

Истоки джаза следует искать в смешении, или, как говорят, в синтезе европейской и африканской музыкальных культур. Как это ни странно, джаз начался с Христофора Колумба.

Разумеется, великий первооткрыватель не был первым исполнителем джазовой музыки. Но, открыв Америку для европейцев, Колумб положил начало взаимопроникновению европейской и африканской музыкальных традиций. Можно спросить: а при чем здесь Африка? Дело в том, что, осваивая американский континент, европейцы стали привозить сюда чернокожих рабов, переправляя их через Атлантику с западного побережья Африки. В период с 1600 по 1700 годы количество рабов на американском континенте перевалило далеко за сотни тысяч.

Европейцы даже не догадывались о том, что вместе с рабами, переправленными на американский континент, они привезли туда африканскую музыкальную культуру, которая отличается потрясающим вниманием к музыкальному ритму. На родине африканцев музыка являлась непременным компонентом различных обрядов. Ритм имел здесь колоссальное значение, являясь основой коллективного танца, коллективной молитвы, иными словами, коллективного обряда.

Характерными чертами африканской народной музыки являются полиритмия, ритмическое многоголосие и перекрестная ритмика. Мелодика и гармония здесь находятся практически в зачаточном состоянии. Этим определяется то, что африканская музыка более свободна, в ней имеется большее пространство для импровизации. Итак, вместе с чернокожими рабами европейцы привезли на американский континент то, что стало ритмической основой джазовой музыки. А какова же роль европейской музыкальной культуры в формировании джаза? Европа привнесла в джаз мелодику и гармонию, минорные и мажорные стандарты, солирующее мелодическое начало.

Джаз как массовая музыкальная культура Европы и Америки 20-30-х годов ХХ века (продолжение)

Итак, родиной джаза стали Соединенные Штаты Америки. Историки джаза до сих пор спорят о том, где именно впервые стали исполнять джазовую музыку. На этот счет существуют два противоположных мнения. Одни полагают, что джаз появился на севере США, где уже в 18 веке английские и французские протестанты-миссионеры стали обращать негров в христианскую веру. Именно здесь возник совершенно особый музыкальный жанр «спиричуэлс» - это духовные песнопения, которые стали исполнять североамериканские негры. Песнопения отличались предельной эмоциональностью и во многом импровизационным характером. Из этих песнопений впоследствии и возник джаз.

Сторонники другой точки зрения утверждают, что джаз появился на юге Соединенных Штатов, где подавляющее большинство европейцев были католиками. Они относились к африканцам и их культуре с особым презрением и пренебрежением, что сыграло положительную роль в сохранении самобытности африканского музыкального фольклора. Афроамериканская музыкальная культура темнокожих рабов отвергалась европейцами, что сохраняло ее аутентичность. На основе аутентичной африканской ритмики и сформировался джаз.

Директор Нью-Йоркского Института джазовых исследований Маршалл Стернс – автор монографии «История джаза» (1956 г.) - показал, что дело обстоит гораздо сложнее. Он указал, что в основе джазовой музыки лежит взаимопроникновение западноафриканских ритмов, рабочих песен, религиозных песнопений американских негров, блюза, африканского фольклора прошлого, музыкальных композиций бродячих музыкантов и уличных духовых оркестров.

Спиричуэлс « Jesus Met The Woman At The Weil »

Джаз как массовая музыкальная культура Европы и Америки 20-30-х годов ХХ века (продолжение)

Центром джазовой музыки в США стал город Новый Орлеан. Его населяли очень свободомыслящие люди, не чуждые авантюризма. Кроме этого, город имеет выгодное географическое положение. Это благоприятные условия для синтеза музыкальных культур. Сформировался даже особый джазовый стиль, который носит название Новоорлеанского джаза. 26 февраля 1917 года здесь в студии «Victor» была записана первая грампластинка, на которой звучала джазовая музыка. Это был джазовый коллектив «Original Dixieland Jazz Band». Кстати, музыканты коллектива не были темнокожими. Это были белые американцы.

В последующие годы джаз превратился из маргинального музыкального направления в достаточно серьезное музыкальное течение, которое овладело умами и сердцами широкой публики на американском континенте. Распространение джаза началось после закрытия в Новом Орлеане развлекательного квартала Сторивилла. Но это не значит, что джаз был только новоорлеанским явлением. Островками джазовой музыки были Сент-Луис, Канзас-Сити, Мемфис – родина регтайма, который оказал заметное влияние на формирование джаза. Интересно, что многие впоследствии выдающиеся джазовые музыканты и оркестры были обычными менестрелями, участвовавшими в специальных передвижных концертах: например, известный музыкант Джелли Ролл Мортон, оркестр Тома Брауна, «Креол Бэнд» Фредди Кеппарда.

Original Dixieland Jazz Band – « Tiger Rag » (1917 г.)

Джаз как массовая музыкальная культура Европы и Америки 20-30-х годов ХХ века (продолжение)

Оркестры давали концерты на пароходах, которые совершали рейсы по Миссисипи. Это, безусловно, способствовало популяризации джазовой музыки. Из таких оркестров вышли блистательные джазмены Бикс Бейдербейк, Джесс Стейси. В 20-30-е годы прошлого века центром джаза стал город Чикаго, а затем и Нью-Йорк. Связано это с именами великих мастеров джаза Луи Армстронга, Эдди Кондона, Джимми Мак Партланда, Арта Ходеса, Барретта Димса и, конечно же, Бенни Гудмана, которые сделали очень многое для популяризации джазовой музыки.

Louis Armstrong & King Oliver’s Creole Jazz Band – « Sugarfoot Stomp Dippermouth Blues » (19 23 г.)

Бенни Гудман (1909-1986)

Benny Goodman – « Flat Foot Floogee » (19 38 г.)

Луи Армстронг (1901-1971)

Основой джаза в 30-40-е годы ХХ века стали биг-бенды. Оркестры возглавляли Дюк Эллингтон, Каунт Бэйси, Чик Уэбб, Бенни Гудман, Чарли Барнет, Джимми Лансфорд, Гленн Миллер, Вуди Герман, Стэн Кентон. Потрясающим зрелищем были «сражения оркестров». Солисты оркестров своими импровизациями доводили зрителя до исступления. Это было захватывающе. С тех пор биг-бенды в джазе – это традиция. В настоящее время выдающимися джазовыми оркестрами являются Джазовый оркестр Линкольн-Центра, Джазовый оркестр Карнеги Холл, Чикагский джазовый ансамбль и многие другие.

Конкретная музыка 40-х годов ХХ века

Это разновидность академической электронной музыки, в основе которой лежит не мелодическая мысль, а совокупность природных шумов и звуков, записанных заранее, и в ряде случаев подвергнутых различным преобразованиям (обработка фильтрами, искажение, изменение скорости). Толчком к появлению стиля послужили развитие звукозаписывающей техники, появление доступных микрофонов и магнитофонов, и, как следствие, доступность средств звукозаписи для экспериментаторов.

Первые звуковые опыты французского инженера-акустика Пьера Шеффера осуществлялись в 1948 году, он и считается пионером данного направления. Конкретная музыка была совмещена с другими формами электронной музыки при создании Эдгаром Варезом «Poème électronique». Она была представлена в 1958 году на Всемирной выставке в Брюсселе с использованием 425 тщательно размещённых громкоговорителей в специальном павильоне, спроектированном Янисом Ксенакисом.

П. Шеффер говорил: «Конкретная музыка, собирая звуки, создает звуковые произведения, звуковые структуры, но не музыку. Мы не должны называть музыкой вещи, которые являются просто звуковыми структурами […] Я боролся, как демон, в течение всех лет открытий и исследований в конкретной музыке; я боролся против электронной музыки, для которой типичен другой — системный — подход, в то время как я предпочитал экспериментальный, работая со звуком непосредственно, эмпирически. Но в то же самое время, защищая музыку, над которой работал, я сам ужасался тому, что делал. Я чувствовал себя страшно виноватым. Я был счастлив, когда преодолевал большие трудности, — мои первые трудности с пластинками, когда работал над «Симфонией для одного человека», мои первые трудности с магнитофонами, когда делал «Этюды с объектами» — это было хорошо. Не то чтобы я отрицал все, что делал. Но каждый раз мне приходилось испытывать разочарование, поскольку я не мог добраться до музыки — того, что я называю музыкой. Я считаю себя исследователем, ищущим путь на крайнем севере, но я не смог его найти…»

После 1950-х годов конкретная музыка была постепенно вытеснена другими формами электронной музыки, вновь возродившись в 1990-х.

Пьер Шеффер (1910-1995)

«Симфония для одного человека» (1950 г.)

Рок-н-ролл 50-х годов ХХ века

Рок-н-ролл (от англ. rock and roll или rock'n'roll — «качайся и катись») — жанр популярной музыки, получивший распространение в 1950-х годах. Оформился из комбинации отдельных элементов афроамериканских и «белых» жанров, таких как блюз и кантри. Стиль белых исполнителей получил также название рокабилли .

Отличительные черты — это чёткий ритм, раскованность музыкального исполнения. Традиционными инструментами являются электрогитара, контрабас, ударные, фортепиано и саксофон. Состав рок-н-ролльных коллективов обычно 3 человека (гитара, контрабас, ударные). Для рок-н-ролла характерен размер 4/4 (четыре четверти), быстрые композиции исполняются в темпе 160—240 уд/мин.

Рок-н-ролл явился результатом синтеза различных стилей американской музыки. В 1950-х годах белые и черные музыканты американского Юга стали смешивать ритм-энд-блюз, буги-вуги, кантри и госпел, добиваясь нового звучания.

Считается, что музыкальный термин «рок-н-ролл» был введён в обиход Аланом Фридом, энергичным диск-жокеем из Кливленда, много сделавшем для популяризации новой музыки, которая в то время встречала достаточно широкий отпор со стороны консервативного общества США. Рок-н-ролл явился первым стилем в современной популярной музыке, развитым и играемым наравне как белыми, так и афроамериканскими исполнителями.

В 1949 году афроамериканский исполнитель Вайнони Харрис записал песню под названием «All She Wants to Do Is Rock», где было употреблено слово «рок-н-ролл» в отношении к музыке.

Несмотря на то, что сложно чётко обозначить временное начало стиля, исследователи часто отдают первенство первого рок-н-ролла песне «Rocket 88», записанной в марте 1951 года ритм-н-блюзовой группой Айка Тёрнера.

Первым рок-н-роллом также называют песню «The Fat Man» Фэтса Домино, с её чётким ритмом буги-вуги и фальцетным скэтом между куплетами; «Rock the Joint» (1952) и «Rock Around the Clock» (1954) Билла Хэйли; «That’s All Right, Mama» (1954) Элвиса Пресли.

Рок-н-ролл 50-х годов ХХ века (продолжение)

Песня Билла Хэйли «Rock Around the Clock», записанная 12 апреля 1954 года, сыграла решающую роль в массовой популярности рок-н-ролла, до того бывшего лишь музыкальным экспериментом, известным слушателям местных радиостанций. Так как термин «рок-н-ролл» тогда ещё не был общепризнан, «Rock Around the Clock» была обозначена на пластинке как фокстрот.

« Blue Suede Shoes » (195 6 г.)

« Rock Around The Clock » (195 4 г.)

« That’s All Right (Mama) » (195 4 г.)

Билл Хейли (1925-1981)

Элвис Пресли (1935-1977)

На основе синтеза рок-н-ролла и кантри (особенно его южного поджанра — хиллбилли) появился особый поджанр рок-музыки — рокабилли . Наиболее известные его представители в 50-х — Эдди Кокрэн, Джин Винсент и Карл Перкинс. Среди первых образцов рокабилли выделяются некоторые ранние записи знаменитого кантри-певца Джонни Кэша. Немалое влияние на жанр оказали первые синглы Чака Берри («Maybellene») и Элвиса Пресли («That's All Right (Mama)»).

Музыка рокабилли вновь стала популярной в 80-х годах.

Рок-музыка 60-х годов ХХ века

Рок-музыка (англ. Rock music) — обобщающее название ряда направлений популярной музыки. Слово «rock» — (в переводе с английского «качать, укачивать, качаться») — в данном случае указывает на характерные для этих направлений ритмические ощущения, связанные с определённой формой движения, по аналогии с «roll», «twist», «swing», «shake» и т. п.

Рок-музыка имеет большое количество направлений: от достаточно «лёгких» жанров, таких как танцевальный рок-н-ролл, поп-рок, бритпоп, до брутальных и агрессивных жанров — дэт-метала и грайндкора. Содержание песен варьируется от лёгкого и непринуждённого до мрачного, глубокого и философского.

Рок-музыка обычно исполняется рок-группой, состоящей из вокалиста, гитариста (как правило, играющего на электрогитаре), бас-гитариста и барабанщика, иногда клавишника. Бас-гитара, ударные и ритм-гитара (не во всех коллективах) составляют ритм-секцию. Однако существуют примеры использования в рок-композициях практически всех известных музыкальных инструментов.

Отличительная черта классической рок-музыки — неизменный ритм, поддерживаемый ритм-секцией. Однако уже начиная с 60-х годов ряд направлений рока использует композиции с усложнёнными структурами и ритмами. Солирующим инструментом является обычно электрогитара. Также в большинстве рок-групп присутствует вокалист.

Началом рок-музыки является появление жанра рок-н-ролла, вобравшего в себя черты блюза, ритм-энд-блюза, буги-вуги и кантри. В 1957-м году была записана композиция «Rumble» гитариста Линка Рея, в которой впервые был использован эффект фузза (англ. fuzz) на гитаре; таким образом, от этой песни в какой-то мере происходят все «тяжёлые» жанры рок-музыки, в частности, хэви-метал и панк-рок. Линк Рей вместе с Диком Дейлом и The Surfaris положил начало новому жанру инструментального танцевального рок-н-ролла — сёрфу , основанному на гавайском звучании гитары, обычно с эффектом вибрато (англ. vibrato). Первой сёрф-записью считается «Bulldog» The Fireballs, а ключевыми представителями — The Ventures, The Chantays, в Англии — The Shadows.

Link Wray - « Rumble » (195 7 г.)

Рок-музыка 60-х годов ХХ века ( продолжение)

Наряду с сёрф-роком, в первой половине 60-х годов на основе ритм-энд-блюза, рок-н-ролла, соула и народной британской музыки в Англии стали появляться группы, игравшие новую форму танцевальной музыки — бит-музыку . Среди поджанров бита выделялся мерсибит, типичными примерами которого являются записи Gerry & The P e acemakers, The Searchers, Rory Storm and the Hurricanes и ранние записи The Beatles. Именно The Beatles со своим синглом «I Want To Hold Your Hand» смогли впервые потеснить в американских чартах американских же исполнителей, положив начало так называемому «британскому вторжению» (англ. British Invasion). Параллельно с этой формой музыки в Америке развивались местные стили на основе фолка и кантри — важнейшим из них стал фолк-рок.

Термином «британское вторжение» принято называть проникновение популярной британской музыкальной культуры на территорию США. The Beatles, с успеха синглов которых и начался новый этап рок-истории, уже в ранние годы представляли собой принципиально новое явление в мировой музыке, и в рок-музыке в частности — в них соединялись необычайная музыкальная плодотворность и принципиально новый имидж (не просто автор-исполнитель с группой, а четверо ярких личностей, группа, где каждый поёт и каждый способен сочинить хит). Охватившая практически весь мир популярность The Beatles (её началом можно примерно считать 1964 год) положила начало небывалому для того времени явлению — «битломании». Вслед за The Beatles обрел популярность и ряд других британских групп. Музыкальная жизнь Британии стала развиваться, открывались новые музыкальные клубы, а бит-музыка становилась всё более разнообразной.

The Beatles - « I Want To Hold Your Hand » (19 64 г.)

Ряд представителей «британского вторжения» продолжали играть музыку в духе самых ранних работ The Beatles — лёгкий, мягкий, мелодичный бит. Наиболее успешными в данном направлении оказались The Searchers (считавшиеся второй по значимости мерсибит-группой), Herman's Hermits, Manfred Mann, The Hollies. Также значительна игравшая мелодичный бит с элементами фолка группа The Zombies (их самый известный хит — «She’s Not There»).

Рок-музыка 60-х годов ХХ века (продолжение)

Ряд групп «британского вторжения» в большей степени, чем остальные, подверглись влиянию ритм-энд-блюза. Самой влиятельной группой, возникшей на основе ритм-энд-блюза и на протяжении всей своей карьеры возвращавшейся к блюзовым корнями, стали The Rolling Stones. Их имидж был значительно более агрессивным, «грязным», чем у The Beatles и мерсибит-групп; звучание и проблемы, поднимаемые в песнях, также демонстрировали новый подход к музыке.

The Rolling Stones - « Paint It Black » (1966 г.)

Рок-музыка 60-х годов ХХ века (продолжение)

Хотя чёткого разделения музыки 1960-х годов на несколько пластов не существует, именно период с 1966-го по 1969-й годы принято считать временем наибольшего расцвета так называемого «классического рока» — этот условный термин включает в себя все основные направления музыки 60-х, начиная с «британского вторжения» (в широком смысле он включает в себя также хэви-метал и арт-рок 70-х). 1967 год традиционно считается лучшим годом в истории рок-музыки — годом, когда появлялись величайшие произведения в жанре поп-рока, психоделического рока, блюз-рока, и одновременно уже развивался произошедший от гаражного и психоделического рока ранний музыкальный андерграунд.

Психоделическая музыка стала главным символом рок-музыки конца 1960-х и основой для большей части музыкальных инноваций того времени. К 1967 году жанр окончательно сформировался, и так или иначе с ним соприкасались все (за редкими исключениями) главные рок-группы того времени. Целью психоделического рока стала попытка выразить наркотические впечатления музыкальными средствами. Психоделическая культура Америки ещё прочнее срослась с субкультурой хиппи. Апогеем американской психоделии конца 1960-х стал легендарный фестиваль в Вудстоке, начавшийся 15 августа 1969 г. и получивший название «три дня мира и музыки».

В американской психоделии в большей или меньшей степени проявлялось влияние её истоков — фолк-рока (в общем звучании) и гаражного рока (в экспериментальности и импровизационности). Группе The Doors удалось стать не только музыкальным явлением, но и культурным феноменом. Упор в их творчестве был сделан на гипнотические органные партии и (в меньшей степени) оригинальные гитарные партии. Кроме того, популярности The Doors во многом способствовала уникальная харизматичная личность и глубокая лирика их лидера Джима Моррисона.

В какой-то мере музыка 1966—1969 годов заложила основы для всех последующих достижений рок-музыки.

The Doors - « People Are Strange » (196 7 г.)

Музыка «Диско» 70-80-х годов ХХ века

"Disco" - это сокращение от французского слова "discotheque" - дискотека. Перевести это можно, как "хранилище дисков". А еще так называли ночные заведения, где звучала записанная на пластинки (не "живая", в отличие от обычных клубов) музыка. Потом словечком "диско" стали называть музыкальный стиль с ритмом 100-120 ударов в минуту. Еще один важный элемент диско - блестящая, режущая глаз яркостью цветов одежда, всякие разноцветные лампочки, зеркальные шары, неоновые вспышки, длиннющие отложные воротники, высоченные прически - в общем, подчеркнутая яркость и шик во всем.

Прародителем дискотеки может считаться джук-бокс - граммофон-автомат, заряженный двумя-тремя десятками пластинок, проигрываемых по выбору при опускании в щель мелкой монетки.

Первые дискотеки, в современном понимании слова, появились в Нью-Йорке, и в них звучали преимущественно соул и фанк записи с жёсткой ритмической основой. Главная отличительная особенность диско - равномерный ритм зачастую подчеркнутый ударами бочки. "Классическим" признан темп с частотой 120 ударов в минуту (что практически вдвое превышает нормальный человеческий пульс). Характерна непрерывная линия баса, в аранжировках используются соло струнных и духовых. Структура песен нередко состоит из нескольких блоков (со сменой рисунка баса, мелодии, тональности и т.д.), что не позволяет длинным композициям наскучить слушателю.

У диско есть официальный год рождения - 1972-й. В этом году вышла в свет композиция "Love's theme" группы Love Unlimited Orchestra. Она добралась до самых вершин мировых хит-парадов и вошла в историю как первая диско-композиция.

Среди наиболее известных представителей направления диско 70-х - группы Boney M, ABBA, Gloria Gaynor.

Испытав взлёт популярности в 70-е, диско к началу 80-х годов ХХ века начало заметно сдавать позиции из-за отсутствия свежих идей.

Love Unlimited Orchestra - « Love’s Theme » (19 72 г.)

Музыка «Диско» 70-80-х годов ХХ века (продолжение)

Однако середина 80-х принесла новый интерес к жанру диско. Поскольку основные музыканты, работавшие в этом направлении, находились в Европе, новую волну диско стали именовать EuroDisco. Благодаря использованию электронных музыкальных инструментов в рамках этого жанра возникло несколько новых стилей танцевальной музыки, основными из которых были Hi-NRG и ItaloDisco.

Яркими представителями Hi-NRG можно назвать такие музыкальные группы и исполнители как Modern Talking, C.C.Catch, Bad Boys Blue, Fancy, Silent Circle, Joy, London Boys, Patrick Cowley.

К стилю ItaloDisco, возникшему на пару лет позднее, чем Hi-NRG, относятся такие итальянские исполнители как Gazebo, Den Harrow, Ken Laszlo, Mike Mareen, Radiorama, Mr.Zivago, Sabrina, Scotch.

Modern Talking - « Brother Louie » (19 86 г.)

Sabrina - « Boys » (19 87 г.)

Музыка 90-х годов ХХ века

Несмотря на то, что в 90-е годы ХХ века продолжали развиваться все ранее перечисленные музыкальные жанры, наибольшего расцвета в этот период достигли рэп, хип-хоп и подобные им музыкальные стили.

Рэп в его современном виде появился в 1970-х годах среди афроамериканцев района Бронкс, куда его «экспортировали» приезжие ямайские ди-джеи. В частности, родоначальником рэпа называют диджея Kool Herc. Читали рэп изначально не в коммерческих целях, а ради удовольствия и делали это поначалу в основном ди-джеи. Это были незамысловатые рифмованные куплеты, обращённые к аудитории.

Распространению рэпа сильно поспособствовало негритянское любительское радио, которое крутило музыку, модную среди чернокожих, и быстро подхватило новый стиль. Слова «рэп» и «рэперы» прочно закрепились за стилем благодаря треку The Sugarhill Gang «Rapper’s Delight» (1979).

Исполнение рифмованных речёвок прямо на улицах по сей день остается традицией чёрных кварталов. Кроме того, устраивались так называемые «баттлы» — словесные поединки, в которых два рэпера переругивались, сохраняя рифму и ритм. Баттлы могут быть и не только руганью, это может быть подача зарифмованного текста на определённую тему.

Сам термин «хип-хоп» для описания жанра появился в 1980-е годы, однако как жанр и культура хип-хоп достигли пика популярности именно в 1990-х годах. Также «хип-хоп» оказал серьёзное влияние на R’n’B-музыку.

The Sugarhill Gang - « Rapper’s Delight » (19 79 г.)

Музыка 90-х годов ХХ века (продолжение)

Помимо рэпа и хип-хопа в 1990-е годы широкое распространение получило такое музыкальное направление, как рейв. Рейв (от англ. Rave — бред, бессвязная речь, весёлое сборище, вечеринка) — массовая дискотека с выступлением диджеев и исполнителей электронной музыки.

В Великобритании рейвы стали массовым феноменом в 1988 году и к началу 1990-х приобрели известность за пределами страны. Изначально рейвы были громадными ночными дискотеками, проводившимися в складских помещениях или на полях под открытым небом, куда съезжались тысячи и более людей. Эти неконтролируемые никем массовые собрания в провинции вызывали в обществе негативную реакцию, усугубляемую также фактом широкого употребления «экстази» и более тяжёлых наркотиков на таких вечеринках. Довольно скоро многие британские клубы стали проводить рейвы в своих стенах, используя многоярусные танцполы, для каждого из которых играл свой диджей.

Основной музыкой на рейвах были: эйсид-хаус и техно и их дальнейшие разновидности — (транс, хардкор, хардстайл, драм-н-бэйс и пр.). Среди наиболее известных коллективов, ассоциирующихся с рейвом, были The Prodigy, The Shamen, A Guy Called Gerald, Scooter, Grid, Joey Beltram, Westbam, Altern-8, U96.

Scooter - « Fire » (19 97 г.)

Музыка ХХ I века

С началом XXI века всё отчётливее наблюдается смешение стилей и жанров. Технические возможности по созданию и воспроизведению музыки в наши дни максимальны по сравнению с прошедшими периодами. Вместе с тем в современной музыке не наблюдается сколько-нибудь существенного доминирования одного стиля над другим. Более того, приметой времени стало смешение стилей в рамках одного музыкального произведения. Такой смешанный стиль ещё называют альтернативным ( Alternative ). Большинство современных нам творцов и исполнителей музыки можно причислить именно к альтернативщикам. Приведём в качестве примера группы Linkin Park и La Cross .

Linkin Park - « Numb » ( 2007 г.)

La Cross - « Save Me » ( 2000 г.)