Меню
Видеоучебник
Видеоучебник  /  МХК  /  МХК 10-11 классы ФГОС  /  Русская классическая музыка в конце XIX века

Русская классическая музыка в конце XIX века

Урок 44. МХК 10-11 классы ФГОС

На данном уроке поговорим о социальной теме и проявлении народности, исторической теме, лирической и трагической темах в русской классической музыке в конце XIX века.

Конспект урока "Русская классическая музыка в конце XIX века"

Николай Андреевич Римский-Корсаков любил воспроизводить в музыке звучания живой природы. Например, в прологе оперы «Снегурочка» использованы записанные им подлинные напевы птиц. А Александр Порфирьевич Бородин для написания оперы «Князь Игорь» изучал половецкий фольклор, который сохранился у потомков половцев, живших в Венгрии. По семейному преданию, род отца композитора был из половецких князей, ассимилированных грузинами.

Далее вы подробнее узнаете о творчестве Римского-Корсакова, Бородина и других русских композиторах конца XIX века.

Вопросы занятия.

Социальная тема и проявление народности.

Историческая тема.

Лирическая и трагическая темы.

Русская музыка конца XIX века связана с формированием национальной композиторской школы. Благотворно на общем характере развития русской музыки сказалось приобщение к лучшим музыкальным достижениям Западной Европы

В последней трети XIX века в Российской империи появилась целая плеяда композиторов, но особая роль в музыкальной культуре принадлежит кружку петербургских композиторов, который вошёл в историю под названием «Могучая кучка».

Организатором и идейным вдохновителем этого дружеского союза, созданного в конце 1850-х годов выступил пианист и композитор Милий Балакирев, а в состав входили такие композиторы, как Модест Мусоргский, Цезарь Кюи, Александр Бородин, Николай Римский-Корсаков.

Балакиревцы открыли новую эру в развитии музыки. Они находились под сильным влиянием народнических идей, в связи с чем их сообщество во многом было похоже на «Товарищество передвижных выставок».

Главной темой творчества «Могучей кучки» стала национальная история, жизнь русского народа, поверья и сказания, народные песни.

Принцип народности в музыке проявлялся прежде всего в широком использовании композиторами в своих сочинениях народных мелодий, интонаций и ритмов, изображении крестьянского быта, обращении к языческим обрядам и песням, славянской мифологии.

Так, под влиянием русской народной песни и лучших традиций народного искусства развивалось творчество Модеста Петровича Мусоргского. Он создал целый ряд музыкальных шедевров, которые ознаменовали собой новую эпоху в истории искусства.

Среди них симфония «Ночь на Лысой горе», созданная по мотивам народных сказаний, а также оперы «Борис Годунов» и «Хованщина», в которых композитор обращается историческому прошлому.

Большой популярностью пользовались вокальные произведения Мусоргского на социальную тематику. В своих песнях и романсах композитору удалось показать правдивые сцены из народной жизни, создать музыкальные портреты выходцев из крестьянской среды, раскрыть их характеры. Сам композитор называл подобные произведения «народными картинками».

Для изображения людей из народа Мусоргский широко использовал выразительные средства русской народной песни, а также интонацию крестьянского говора: чередование одного ударного слога и двух безударных.

С небывалой смелостью и правдивостью Мусоргский показал беспросветную, полную страданий жизнь крестьянина-бедняка в романсах «Калистрат», «Колыбельная Ерёмушки», «Спи, усни, крестьянский сын».

Особого внимания заслуживает романс «Сиротка», слова которого написаны самим Мусоргским.

В романсе композитор воплотил картину из повседневной жизни, когда бездомный, голодный ребёнок просит встречного барина о подаянии, а тот даже не замечает его и равнодушно следует своей дорогой. Через музыку Мусоргский передал монолог ребёнка с его горестными жалобами и стонами.

Необыкновенной изобразительностью отличаются музыкальные образы, которые создал в своих произведениях Николай Андреевич Римский-Корсаков.

Он высоко ценил русские народные песни, собирал и обрабатывал их, творчески развивал их черты в своей музыке.

Очень тонко характер народной музыки передан в его сказочной опере «Снегурочка», написанной в 1881 году, по сюжету одноименной сказки Александра Островского.

В опере композитор использовал как подлинно народные мелодии и песни, так и сочинённые им мотивы, которые очень естественно воспринимаются «как народные».

Композитор считал её своим лучшим творением. «Снегурочка» поражает удивительно чутким, воспроизведением картин народного быта, календарных языческих обрядов, чудесных образов народных сказок. Музыка оперы окрашена мягкой лирикой, весенними тонами расцветающей природы.

Опера «Снегурочка» состоит из пролога и четырёх действий. Её оптимистическая идея – торжество животворящих сил природы, солнца, света, тепла.

Оркестровое вступление к прологу – красочный музыкальный пейзаж, описывающий пробуждение природы от зимней спячки. Суровая, угрюмая мелодия Мороза сменяется нежными, обаятельными напевами Весны.

Образ самой Снегурочки раскрывается в прологе арией «С подружками по ягоду ходить» и ариеттой «Слыхала я, слыхала».

Во второй части пролога тема прихода весны получает дальнейшее развитие и логическое завершение в обрядовой сцене «Проводы Масленицы», которая состоит из ряда хоровых эпизодов народно-песенного склада и содержит настоящие обрядовые песни.

В прологе, таким образом, соединяется сказочно-природное и народно-бытовое звучание темы проводов зимы и встречи весны. В нём показаны все сказочные и народные образы оперы. Последующее развитие сюжета и музыки также вытекает из пролога.

Одним из самых трогательных эпизодов в мировой оперной литературе стала сцена таяния Снегурочки в конце 4го действия. Хрупкая нежность образа Снегурочки оттеняется величественным звучанием заключительного хорового гимна «Свет и сила, бог Ярило».

Славу и гордость русской музыки составляют произведения Александра Порфирьевича Бородина. Их отличают богатырский размах и эпическое величие.

Возросший интерес к русской истории, патриотическая идея единства и могущества страны выражены, например, в его единственной опере «Князь Игорь». (1869–1887)

Либретто к опере написал сам Бородин при участии музыкального критика Владимира Стасова.

Либретто – это текст музыкально сценического произведения, например, оперы, балета, оперетты.

Основой сюжетной линии послужил памятник древнерусской литературы «Слово о полку Игореве…», рассказывающий о неудачном походе князя Игоря Святославича против половцев. Как и старорусский эпос, сочинение композитора пронизано патриотической идеей единства и могущества русского народа.

Противостояние русского войска с половецким в опере показано через сопоставление национальных культур – русской и восточной.

Главные персонажи произведения олицетворяют сущность русской души, её благородное начало, мужественность, самоотверженность, верность и нравственность.

Духовному величию русских воинов, защищающих свою землю, противостоит образ половцев. Все стороны половецкого характера – храбрость, силу, великодушие и горячий темперамент – Бородин раскрыл в балетном фрагменте оперы, который называется «Половецкие пляски».

«Половецкие пляски» стали классическим образцом вокально-танцевальной сцены. В этой сцене сначала танцуют и поют девушки (хор «Улетай на крыльях ветра»), затем в ритме лезгинки танцуют мужчины. Действие завершается общей кульминационной пляской.

Развитие музыкальных традиций, заложенных Глинкой, продолжил в своём творчестве великий русский композитор Пётр Ильич Чайковский.

Композитор использовал их для раскрытия двух тем: лирической и трагической.

Первая подавалась как преодоление «злых чар» силой любви и человечности. Она нашла своё воплощение в балете «Щелкунчик».

Вторая тема, трагическая, подавалась как бессилие человека перед роковым стечением обстоятельств и выразилась в опере «Пиковая дама»

«Щелкунчик» – балет-феерия в двух действиях и трёх картинах. Либретто к нему написано по мотивам сказки немецкого писателя-романтика Эрнста Теодора Амадея Гофмана «Щелкунчик и Мышиный король».

События в балете разворачиваются накануне и в ночь весёлого рождественского праздника, когда зажигается ёлка и оживает мир детских игрушек. Чайковский смог подобрать очень точные музыкальные характеристики для каждого персонажа.

Так, магическое, коварное, враждебное человеку олицетворено в образах таинственного фокусника Дроссельмейера, совы на часах и мышиного царства. Эти образы подчёркнуты холодным звучанием кларнетов, фаготов и альтов.

Им противопоставлен образ главной героини Маши – мир трогательной детской души, стремящейся к добру. Нежная преданность Маши побеждает колдовство Дроссельмейера, освобождает из плена прекрасного юношу Щелкунчика, утверждает свет и радость.

Светлые образы Маши и Щелкунчика изображаются тёплыми тембрами английского рожка и струнных инструментов.

Музыка в балете тонко воплощает все происходящее на сцене: рост ёлки, барабанный бой, мышиный писк, чудесное превращение Щелкунчика. А «Вальс снежинок» передаёт ощущение холода, игру лунного света.

Первая часть балета – это действие в чистом виде. Второе же, за исключением финала, представляет собой обычный для балета того времени дивертисмент – серию характерных танцев, идущих один за другим.

Так, во втором акте воссозданы картины быта и окружающей среды, представленные различными танцами: блестящий испанский танец шоколада, изысканный восточный танец кофе,  насыщенный комическими эффектами китайский танец чая, изящно стилизованный танец пастушков.

Удивительно изящен и тонок танец феи Драже. Эту лирическую миниатюру композитор эффектно украсил звуками неизвестного до того времени инструмента челесты.

Вершина дивертисмента – знаменитый «Вальс цветов» с его разнообразием мелодий, симфоническим развитием, пышностью и торжественностью.

Лирической же кульминацией всего балета является адажио Щелкунчика, которое приобрело значение музыкального портрета героя.

Адажио – медленный сольный или дуэтный танец в классическом балете.

Характерные черты стиля Чайковского получили своё наиболее полное и совершенное выражение в опере «Пиковая дама», основой для которой послужила одноименная повесть Пушкина.

Опера «Пиковая дама» состоит из трёх действий и семи картин. Либретто к ней написал младший брат композитора драматург Модест Ильич Чайковский.

Действие оперы происходит в Петербурге в конце 18 века.

В основе оркестрового вступления «Пиковой дамы» лежит три контрастных музыкальных образа: повествовательный образ, связанный с балладой Томского, зловещий, рисующий образ старой Графини, страстно-лирический, характеризующий любовь Германа к Лизе,

Кроме того, в опере присутствуют две противоположных «загадочных стихии»:

разрушающая (рок, зловещая предопределённость трагической развязки)

прекрасная, возрождающая, созидающая (любовь, пробуждающая лучшие качества героев).

В «Пиковой даме» на первый план выдвинуты человеческие характеры, трансформация которых происходит на протяжении всего произведения под влиянием судьбы, злого рока, а также социальной действительности.

Силы рока пытаются подавить любовь, но в финале оперы трагическая развязка все-таки заканчивается темой любви и торжеством созидающего начала. Это торжественный итог сценического действия. 

Давайте подведём итоги.

Русская музыка конца XIX века связана с формированием национальной композиторской школы.

Самобытность и оригинальность в музыке во многом определяли следование народным традициям.

Большие успехи были достигнуты в оперном искусстве.

Творчество таких русских композиторов, как Мусоргский, Бородин, Римский-Корсаков, Чайковский, вошло в сокровищницу мировой музыкальной культуры.

779

Комментарии 0

Чтобы добавить комментарий зарегистрируйтесь или на сайт