Меню
Видеоучебник
Видеоучебник  /  МХК  /  МХК 10-11 классы ФГОС  /  Живопись и скульптура Высокого Возрождения

Живопись и скульптура Высокого Возрождения

Урок 27. МХК 10-11 классы ФГОС

Данный урок познакомит с качественными изменениями в живописи Высокого Возрождения, синтезом живописи и архитектуры, скульптурой данного периода.

Конспект урока "Живопись и скульптура Высокого Возрождения"

Живопись и скульптура Высокого Возрождения

Хронологически первым истинно ренессансным изображением Девы Марии, лишённым какой-либо святости, стала картина Леонардо да Винчи «Мадонна с цветком», в которой художник вместо духовности возвеличивает земное материнское чувство. История картины довольно загадочна. До конца XVII века она находилась в Италии, но после следы «Мадонны с цветком» затерялись. Вновь о ней стало известно в первой половине XIX века в Российской империи.

Придворный архитектор Леонтий Николаевич Бенуа, женившись на дочери состоятельного астраханского купца Марии Александровне Сапожниковой, получил «Мадонну с цветком» от тестя как свадебный подарок. В семье Сапожниковых ходило предание, что что картина некогда была выкуплена ими у бродячих итальянских музыкантов. Так Леонтий Бенуа стал последним частным владельцем «Мадонны с цветком». Отсюда и произошло второе название картины «Мадонна Бенуа».

В 1912 году Мария Александровна продала «Мадонну с цветком» за 150 тысяч рублей Эрмитажу, где она хранится до сих пор. Сумма уплачивалась частями, и последние платежи были совершены уже после Октябрьской революции. Далее вы подробнее узнаете о картине «Мадонна с цветком», а также о других произведениях искусства эпохи Высокого Возрождения.

Вопросы занятия.

Качественные изменения в живописи.

Синтез живописи и архитектуры.

Скульптура.

В конце XV века искусство итальянского Возрождения вступает в новую фазу – период Высокого Возрождения. И если Проторенессанс длился почти 150 лет, а раннее Возрождение – почти столетие, то Высокое Возрождение – всего 30–40 лет.

Но именно в этот период творили великие мастера, которые отличались редкой гениальностью и разносторонностью. Среди них выделяются Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буанаротти.

Плеяду гениев, творивших в эпоху Высокого Ренессанса, часто называют «Титаны Возрождения». Эти люди сумели изменить положение художника в итальянском обществе, заставив считаться со своими замыслами представителей правящей элиты.

Искусство Высокого Возрождения отличает крупный масштаб образов и вера в неограниченность человеческих возможностей. И грандиозные, и небольшие по размерам художественные произведения наполнены внутренней значительностью, глубиной, сложностью, особым величием образов. Никогда ещё герои живописных и скульптурных произведений не были такими возвышенными, свободными и могучими.

Для живописи характерна передача мимики лица и тела человека, появляются новые способы передачи пространства, построения композиции. Вместе с тем работы создают гармоничный образ развитого и сильного как телом, так и духом человека, который находится выше повседневной обыденности и отвечает гуманистическим идеалам.

Именно в период Высокого Возрождения формируются такие жанры искусства, как пейзаж, историческая живопись и портрет.

Основоположником стиля Высокого Возрождения в живописи выступил Леонардо да Винчи, который жил в 1452–1519 годах.

Хотя его наследие как художника невелико, но именно да Винчи совершил качественный скачок в искусстве Ренессанса.

Его первая картина «Мадонна с цветком» («Мадонна Бенуа») стала первой картиной, написанной без приёмов кватроченто.

На картине «Мадонна с цветком» изображена молодая мать, одетая и причёсанная как современница Леонардо да Винчи, играющая с сыном. Она протягивает ребёнку цветок крестоцвета – традиционный символ распятия. Но воспринимается он как невинная игрушка, к которой по-детски тянется младенец Иисус. Композиция отличается особой теплотой и простотой образов, гармонией цвета и формы.

Избрав один из самых популярных в живописи сюжетов, художник выступил как новатор и в композиции, и в трактовке образа Мадонны, и в колорите.

Так, Леонардо да Винчи, укрупнив на картине фигуры, сфокусировал внимание на одном монументальном образе, тогда как мастера кватроченто изображали Мадонну с Младенцем на троне в окружении святых.

Фон художник также сделал лаконичным, в отличие от детализированных фонов картин Раннего Ренессанса. Кроме того, мотив игры матери и ребёнка придал изображению некую динамичность.

«Мадонной с цветком» Леонардо да Винчи (добавить) окончательно утвердил в живописи Ренессанса красоту и поэзию тени, противопоставив её красоте и поэзии света, свойственной Средневековью.

Следуя в своих картинах принципу «подражания природе», Леонардо да Винчи вывел свой индивидуальный стиль, в котором сочетал несочетаемое – натурализм и идеализм.

Ярким примером здесь послужит одно из самых известных произведений итальянского мастера портрет Моны Лизы – жены флорентийского торговца шёлком Франческо дель Джокондо.

Её живой образ с улыбкой стал кульминацией натурализма, а пейзаж, на фоне которого она изображена, выступил неким идеалом природы. Искусствоведы подчёркивают органичность, с которой Леонардо соединил портрет с пейзажем, полным особенного настроения.

Вместо жёстких границ картина опирается на мягкие края и тонко упорядоченные переходы разного цвета и тона, создавая едва уловимую дымку.

Этот приём, разработанный да Винчи, называется сфумато, от итальянского – «затуманенный». Сфумато – это смягчение очертаний фигур и предметов, которое позволяет передать окутывающий их воздух.

Совместив портрет человека и идеалистичный пейзаж, да Винчи создал гармоничный образ natura naturans, то есть образ созидающей природы, венцом которой является человек. Таинственную грань соприкосновения человека и природы художник обозначил улыбкой на лице «Джоконды».

Одним из принципов искусства Высокого Возрождения была красота. Художники стремились приблизиться к идеалу античной классики, «подправляя» в своих произведениях погрешности природы.

Понятие красоты включало 3 компонента: красоту композиции, где главным был синтез архитектуры и живописи; красоту идеальных образов; красоту поз, жестов, движений.

Всё это гениально соединено в живописных композициях Рафаэля Санти, жившего в 1483–1520 годах. С его творчеством в истории мирового искусства связывается представление о возвышенной красоте и гармонии.

Ярким примером гармоничного сочетания архитектуры и живописи стали так называемые станцы – апартаменты папы Юлия Второго в Папском дворце Ватикана.

Это четыре небольших помещения, расписанные Рафаэлем вместе с учениками в 1508–1517 годах, а также зал с росписями учеников после смерти Рафаэля, которые были сделаны по его эскизам.

В каждой станце четыре фресковые композиции, каждая из них целиком занимает одну стену. Росписи отличают глубина замысла, образная насыщенность и композиционная ясность

Наиболее известен комплекс фресок в папском рабочем кабинете – станце делла Сеньятура. Темой фресок этой комнаты стала истина, олицетворением которой был папа римский.

Познать истину можно через четыре сферы человеческих знаний – религию, философию, поэзию (искусство) и правосудие.

Фреска «Диспут» символизирует путь познания мира через религию, «Афинская школа» – через философию, «Парнас» – через «божественное вдохновение» в искусстве, «Мудрость, Умеренность, Сила» – через закон и правосудие.

Идею познания истины отражают и росписи потолка – аллегории Богословия,

Философии, Поэзии, Правосудия, а также символические композиции по углам свода:

«Урания», «Грехопадение», «Наказание Марсия», «Суд Соломона».

Эти грандиозные фрески по праву считаются совершенным произведением Высокого Возрождения. Рафаэль сумел здесь виртуозно соединить живопись с архитектурными элементами, создав равновесие объёмных, линейных и пространственных частей фресок.

Это мастерство обеспечило Рафаэлю репутацию непревзойдённого мастера пространственной композиции, архитектора в живописи.

Красота фресок связана с идеальными образами и изящными движениями, которые связывают фигуры в гармоничное целое. При этом образ отдельной личности преобладает над бытовой и природной средой.

Давайте подробнее рассмотрим композицию «Парнас», которая написана на узкой стене с оконным проёмом. Арочное завершение стены определяет порядок размещения фигур в композиции, которые образуют непрерывный полумесяц, обращённый к зрителю.

В центре фрески изображён Аполлон в своей обители на горе Парнас, играющий на виоле. По обеим сторонам от него изображены 9 муз в грациозных позах. По склону группируются поэты – девять античных и девять поэтов новой эпохи. Среди них можно, например, узнать древнегреческих поэта-сказителя Гомера и прославленную поэтессу Сафо, римских поэтов Вергилия и Овидия, итальянских литераторов Данте Алигьери и Джованни Бокаччо.

Каждый из образов представляет собой идеал. Все фигуры изображены в античных тогах и наделены идеальными пропорциями.

В цветовой гамме Рафаэль использует равномерное соотношение трёх основных цветов – жёлтого, красного и синего. Чередуясь в одеяниях, архитектуре, пейзаже, они образуют гармоничное созвучие с голубым небом.

В отличие от Леонардо да Винчи Рафаэль не был новатором в искусстве удалить. Однако его творчество стало наиболее ярким выражением классической линии в искусстве Высокого Возрождения. В своих произведениях Рафаэль Санти воплотил самые светлые и возвышенные представления ренессансного гуманизма о человеке и его исключительном месте в окружающем мире.

Эти же представления проявились и в скульптуре, которая в эпоху Ренессанса вновь обрела равные права с архитектурой. Ведь в Средние века свободно стоящая статуя никак не вписывалась в пространство, а скульптура, хоть и выступала из каменной массы, но была всего лишь частью здания.

Для скульптуры Высокого Возрождения характерен героический пафос. Она прославляла силу человека и красоту его тела, одновременно подчёркивая его одиночество в мире.

Со скульптуры свой творческий путь начал величайший мастер Высокого Возрождения Микеланджело Буонарроти, современник Леонардо да Винчи и Рафаэля, живший в 1475–1564 году.

И если да Винчи олицетворяет интеллект, а Рафаэль красоту и гармонию, то творчество Микеланджело выражает пластическую мощь и напряжение духа.

Его статуи, созданные для капеллы Медичи в церкви Сан-Лоренцо во Флоренции, самодостаточны и органично вписаны в архитектурное пространство.

Капелла Медичи – это небольшое купольное помещение-усыпальница членов банкирского дома Медичи, образующая в плане квадрат со стороной 11 метров. Ансамбль надгробий в ней посвящён родственникам Лоренцо Великолепного, который в эпоху Возрождения возглавлял Флорентийскую республику.

В частности, здесь находятся саркофаги его внука и младшего сына – Лоренцо Второго, герцога Урбинского, и Джулиано, герцога Немурского. Прах самого Лоренцо Великолепного, как и его брата Джулиано Флорентийского, также хранится в этой капелле.

Микеланджело украсил гробницу классическими стенными надгробиями, тип которых сложился ещё в раннем Ренессансе, состоящих из статуи усопшего, Мадонны, святых, аллегорических фигур. В то же время он создал уникальный по композиции ансамбль, который был гармонично вписан в архитектуру помещения.

Скульптурные декорации капеллы Медичи посвящены идее бессмертия – античной и христианской. Бессмертие в античном понимании достигается прославлением личности и памятью потомков, в христианстве же победа над смертью становиться возможной благодаря воскресению в день Страшного суда.

Композиции гробниц на боковых стенах капеллы симметричны. Каждая из них состоит из саркофага, на который помещены аллегории времени суток – Утро, День, Вечер, Ночь. Статуи самих герцогов, олицетворяющие деятельную и созерцательную жизнь, помещены в стенные ниши над их саркофагами.

К созерцательной жизни склонны философы, поэты, учёные. Её Микеланджело воплотил в статуе Лоренцо, поза которого полна глубокой задумчивости. А решительная поза мужественного и энергичного Джулиано воплощает деятельную жизнь, которую ведут военные, политики, банкиры.

Вместе с фигурами времён суток статуи герцогов образуют равнобедренный треугольник.

Саркофаг Лоренцо Второго, который находится у левой от входа стены, украшен мужской фигурой Вечер и женской фигурой Утро. Обе фигуры развёрнуты на зрителя. Вечер склоняется ко сну, а Утро – пробуждается.

У противоположной стены располагается саркофаг Джулиано, герцога Немурского, с фигурами Ночи и Дня. Мужская фигура День бодрствует, половина его лица скрыта его мощным правым плечом и спиной. Женская фигура Ночь изображена спящей. Под левой рукой у неё – маска, возле бедра – сова.

Именно Ночь наиболее полно отразила весь трагизм эпохи Возрождения, когда возвеличенный лучшими умами человек так и не стал свободным.

В прямоугольной нише напротив входа в капеллу (у её фронтальной стены) находится простой прямоугольный саркофаг с прахом Лоренцо Великолепного и его брата Джулиано, герцога Флорентийского. На него помещены 3 статуи. В центре расположена Мадонна с младенцем на коленях, а справа и слева от неё находятся фигуры святых Косьмы и Дамиана, которые считались покровителями семейства Медичи.

Фигуры святых изваяли ученики Микеланджело по его эскизам.

Мадонна с младенцем – ключевой образ капеллы и одно из высших созданий изобразительного гения Микеланджело. Её так же называют Мадонна Медичи. Она размещена в центре фронтальной стены, к ней обращены взгляды святых, на неё взирают герцоги из своих ниш. Выражение её лица и вся поза овеяны задумчивой отрешённостью.

Мадонна Медичи олицетворяет веру в воскресение – единственное, что может примирить человека с мыслью о смерти.

Давайте подведём итоги.

В период Высокого Возрождения формируются такие жанры искусства, как пейзаж, историческая живопись и портрет.

Хронологически первым истинно ренессансным изображением Девы Марии, лишённым какой-либо святости, стала картина Леонардо да Винчи «Мадонна с цветком».

В плеяде гениальных мастеров Высокого Возрождения Леонардо да Винчи олицетворяет интеллект, Рафаэль красоту и гармонию, а творчество Микеланджело выражает мощь.

944

Комментарии 0

Чтобы добавить комментарий зарегистрируйтесь или на сайт