Театральный костюм

В Костроме можно посетить Музей театрального костюма Костромского государственного драматического театра. Здесь собрана уникальная коллекция исторических театральных костюмов. В театре насчитывается более 12 тысяч единиц хранения предметов театрального костюма. Особое место занимают костюмы, сшитые из парчи, бархата, тафты, штофа и других тканей, производство которых прекращено.

В ходе занятия вы узнаете об истории развития театрального костюма и его видах.

Важной задачей сценографа является создание костюмов для театральной постановки.

Театральный костюм включает одежду, обувь, головные уборы, украшения и различные аксессуары. Дополняют костюм грим и причёска.

Рассмотрим виды театрального костюма.

Персонажный костюм. Это изобразительно-пластическая композиция, сконструированная на фигуре исполнителя. Персонажный костюм может существовать из представления в представление и не менять своего вида годами. Его задача – показать персонаж, а не актёра. Иногда такой костюм полностью скрывает фигуру актёра, подобно тому, как маска закрывает лицо.

В костюмах определённых персонажей могут меняться какие-то детали, но их общий вид строго оговорен. Персонаж должен быть узнаваемым.

В качестве примера можно привести костюмы традиционных театров Китая и Японии.

Ещё один пример – персонаж Арлекин. Он традиционно одет в рубаху и панталоны, которые обшиты разноцветными заплатками в форме ромбов. Костюм Арлекина очень красочный. На голове Арлекин носит шапочку, украшенную заячьим хвостиком или бубенчиками. На поясе у него кошель или деревянный меч. Туфли Арлекина лёгкие, они позволяют ему свободно перемещаться и совершать акробатические трюки.

Игровой костюм. Такой костюм рассматривается как элемент игры, средство преображения облика актёра.

В обрядовых и фольклорных действиях такое преображение раньше носило гротескно-пародийный характер, когда юноши переодевались в стариков, а красивые девушки – в ведьм.

В костюмах использовались как «вывернутые» бытовые костюмы, так и любой подручный материал. При создании игровых костюмов в ход шло всё, что было под руками: например, вывернутые наизнанку тулупы или кожухи.

Эти приёмы ряжения перешли в дальнейшем в европейский и восточный костюмы. Иногда, как и в сценической декорации, в игровом костюме действует правило «часть вместо целого». Например, в балетных спектаклях можно увидеть игру с шарфами, покрывалами, вуалями и другими похожими элементами костюма, которые придают ему иносказательное, символическое звучание.

Игровые костюмы составили целое направление в сценографии. Они использовались художниками и режиссёрами как элемент имеющихся в их распоряжении средств выразительности.

Одежда действующего лица. В костюмах этого вида во все времена находила сценическое отражение именно та одежда, которую люди носили в тот или иной исторический период, стилизация в одежде менялась на музейную достоверность. В реалистическом театре костюм выражает не только общественный статус действующего лица, но и его психологию.

Реконструирование костюма – это отдельная дизайнерская профессия и область творчества театрального художника. В «исторических» спектаклях костюм той или иной эпохи не повторяет буквально музейный образец, так как зрителя волнует в первую очередь смысл происходящего на сцене, а не точность деталей костюма. Театральный костюм – это в большей степени стилизация под эпоху, подчинённая сценической выразительности и в цвете, и в силуэте.

В современном театре сценографы используют всю палитру, все виды театрального костюма как важнейшего компонента спектакля.

Театральный костюм вместе с остальным оформлением и чередующимися мизансценами создаёт зрительный образ спектакля.

Мизансцена – это размещение декораций, предметов, а также действующих лиц на сцене в соответствии с разными моментами композиции спектакля.

Театральный спектакль состоит из отдельных пространственных картинок и перетекающих друг в друга композиций.

У этих композиций должно быть определённое колористическое решение. Даже если сама сцена из спектакля не предусматривает ярких красок и не является очень живописной. Цвет костюма актёра всегда должен вписываться в декорации и световое оформление.

Как вы знаете, с цветом у людей всегда есть связь с определёнными представлениями, он ассоциируется с настроением и самочувствием героев спектакля.

Яркий цвет костюма сразу же обратит на себя внимание, отвлечёт от других персонажей, станет доминантой композиции.

Рассмотрим историю становления театрального костюма.

История появления театрального костюма берёт своё начало в играх и обрядах, на которых древние люди выражали свою реакцию на разные события своей жизни. Так возникли ритуальные костюмы. Иногда они были фантастическими, иногда напоминали животных и птиц.

Костюмы в древнейшем классическом восточном театре Китая, Индии и Японии также условны, традиционны и символичны.

Например, в китайском театре костюм жёлтого цвета обозначал принадлежность героя к императорской семье. А в одежде чёрного или зелёного цвета ходили персонажи чиновников.

В европейском театре костюм берет своё начало из Древней Греции. Он в основном повторял одежду древних греков, но с условными деталями, которые помогали зрителю лучше увидеть, что происходит на сцене.

Цвет костюма имел символизм. Например, персонажи правителей были одеты в жёлтый и пурпурный цвета.

Древнегреческие актёры носили маски и обувь на высоких подставках – котурнах. Такую обувь использовали исполнители трагических ролей. Котурны увеличивали рост героя, придавали ему величавость и торжественность.

Маски помогали актёрам быстро перевоплощаться. Важно помнить, что актёрами в древнегреческом театре были только мужчины – поэтому маска обозначала также женских персонажей.

Театры в Древней Греции были очень больших размеров, и зрители часто не могли рассмотреть лицо актёров. Большие маски были видны даже с последних рядов.

В эпоху Средневековья театр существовал в виде злободневных, остроумных представлений, которые давали группы бродячих актёров-гистрионов.

Они были одновременно музыкантами, танцорами, певцами, гимнастами и так далее. Костюмы гистрионов были похожи на одежду бедных горожан. Однако имели украшения в виде ярких лоскутов.

В Средние века были популярны мистерии – красочные и пышные религиозные постановки. Костюмы актёров мистерий отличались богатством и нарядностью.

Перед показом мистерии проходили шествия ряженых в костюмах фантастических персонажей и животных.

Одним из ярчайших явлений в истории театра был театр эпохи Возрождения.

Для этого времени была характерна комедия дель-арте.

Так называют вид итальянского народного театра, спектакли которого создавались методом импровизации, на основе сценария, содержащего краткую сюжетную схему представления, с участием актёров, одетых в маски.

Костюмы этого театра красочны, условны и традиционны. Они были наполнены иронией и юмором, передавали типичные черты персонажей.

Например, персонаж Пульчинелла. Имя этого персонажа переводится с итальянского как «цыплёнок» и связано с его маской, самый заметный элемент которой – большой клювообразный нос.

Костюм Пульчинеллы – это длинная мешковатая белая блуза, перетянутая на талии кожаным ремешком, просторные бесформенные штаны и продолговатая шапка.

Менее яркими были костюмы персонажей влюблённых. Главными чертами самих персонажей были тщеславие, обострённое внимание к своей внешности, нервозность, погружённость в свои чувства.

Костюм влюблённых всегда соответствовал последней моде, был преувеличенно тщательным и нарядным. Маски им заменял густой слой макияжа.

Со временем костюм всё больше и больше отказывался от театральных условностей и приближался к костюму, современному эпохе.

Реалистические тенденции в области костюма проявились в XVIII веке во Франции. Мольер при постановке своих пьес использовал современные ему костюмы людей разных сословий.

Постепенно театр перешёл от площадной плакатности к реализму в игре, обстановке и костюмах. Костюмы актёров стали средством психологической характеристики образа.

В качестве исторического примера русского театрального костюма можно вспомнить костюмы «Русских сезонов» Сергея Дягилева. Тогда зрители бы впечатлены не только самими постановками, но и костюмами, созданными по эскизам Леона Бакста.

Балетные костюмы Бакста подчёркивали пластику танцовщиков и выявляли рисунок танца. Художник так писал о своих работах: «Костюмы первых персонажей появляются как доминанты и как цветки на букете других костюмов». Он любил совмещать много ярких цветов, в том числе и контрастных. Костюмы Бакста были украшены множеством орнаментов.

По Европе после Русских сезонов распространилась волна моды на всё восточное и русское: в магазинах стали продавать тюрбаны, шали и костюмы, в которых можно было увидеть что-то общее со сценическими образами актёров.

В истории театральных костюмов были исключительные случаи, когда для работы над спектаклем приглашали знаменитого дизайнера. Например, к созданию костюмов для постановки «Анна Каренина» Майя Плисецкая, которая была хореографом-постановщиком и исполнительницей главной женской партии, привлекла своего друга Пьера Кардена.

А для постановки Мариинского театра Джанни Версаче создал платье «Матрёшка». Дизайнер не вдавался в детали и символическую нагрузку узоров на национальном костюме, он просто передал общее ощущение от него. Для этого платья Версаче взял разнообразные по фактуре и текстуре ткани. Образ получился перегруженным, но узнаваемым.

Давайте подведём итоги.

Театральный костюм бывает персонажным, игровым и одеждой действующего лица.

Театральный костюм эволюционировал от ритуальных одеяний древних народов до костюма, соответствующего изображаемой эпохе.