История искусства дизайна

В интерьерах общественных мест и в библиотеках можно встретить настольные лампы с абажуром или плафоном зелёного цвета. Существует версия, что моду на них ввёл Владимир Ильич Ленин. Надежда Крупская подарила ему обычную керосиновую лампу из комиссионного магазина. Лампа имела зелёный плафон, и по форме напоминала гриб. Со временем светильник изменили по просьбе Ленина: заменили керосиновую горелку на патрон для электрической лампы.

Со временем зелёные лампы стали дарить друг другу политики и размещать в своих кабинетах. Такая лампа стала символом богатства, статуса и значимости.

В ходе занятия вы узнаете о зарождении дизайна, его развитии в первой половине XX века, а также об истории дизайна в России.

Первые крупные проявления дизайнерской деятельности появились в XIX веке. Классическим примером дизайна этого периода является производство гнутой деревянной мебели, созданной в середине XIX века в Австрии фирмой «Братья Тонет». В России эту мебель называли Венской.

Михаэль Тонет создал стул, в котором удачно сочетались удобство, невысокая цена и благородный вид. Новый предмет мебели получился настолько идеальным, что на протяжении всей его истории выпускался без изменений. Этот стул известен под названием «Модель номер 14».

Стулья Тонет поставлялись продавцам в разобранном виде и собирались на месте. Это очень сократило издержки на хранение и транспортировку. Мебель Тонета была не только самой лёгкой и дешевой на мировом рынке. Её отличительной чертой была прочность. Однажды тонетовский стул сбросили с Эйфелевой башни, и он остался целым. Архитектор Ле Корбюзье был впечатлён работой Тонета, он говорил: «Никогда ещё не было более элегантного предмета мебели, одновременно столь практичного и произведённого с такой безупречной точностью».

В 1860 году Михаэль Тонет на основе собственной технологии изобрёл форму кресла-качалки. В него он вложил все достижения в области производства мебели из гнутого дерева. Кресло-качалка Тонета стало первой серийной моделью для дома. Многие выдающиеся люди с удовольствием размещали его в интерьерах своих домов.

Одним из отцов-основателей дизайна называют Уильяма Морриса – английского художника, дизайнера по ткани и мебели, разработчика шрифтов, художника книги, писателя, общественного деятеля. Он был одним из организаторов художественно-промышленной компании, занимавшейся штучной декоративной росписью, изготовлением мебели, тканей, обоев, витражей, вышивок.

В историю искусства вошли гобелены Морриса. Обои печатали вручную с досок, на которых были вырезаны орнаменты по эскизам художника. Он считал, что сюжеты надо брать простые: изображать цветы шиповника, тюльпаны, землянику, птиц, которых можно каждый день встретить в саду, обычные деревья вроде ивы или липы, мирно пасущихся оленей.

Девизом всех работ Морриса стали слова: «Любое украшение лишено пользы, если оно не напоминает о чём-либо за пределами самого себя».

Одной из вершин искусства модерна стали интерьеры шотландского архитектора и художника Чарльза Ренни Макинтоша. Он запомнился современникам как создатель своего стиля и мотива «Роза Макинтоша».

В основе творческого мировоззрения Макинтоша лежали принципы проектирования традиционного сельского жилья Шотландии и элементы средневекового «баронского стиля».

В 1901 году Макинтош и его жена Маргарет создали проект «Дома для любителя искусства». В этом проекте архитектура и дизайн переплелись так тесно, что стали неразрывным целым. «Дом для любителя искусства», представленный на конкурс, не стал победителем – однако он был реализован в Шотландии в 1990-е годы. Этот дом изучают как пример идеального союза искусства и архитектуры.

В 1907 году в Германии было создано общество художников, инженеров и предпринимателей, которое получило название «Дойче Веркбунд». Они провозгласили, что массовая, стандартная промышленная продукция должна стать эталоном качества производимых товаров. Участники «Дойче Веркбунд» стремились повышать вкус потребителя и создавать узнаваемый облик немецкого дизайна, который мог бы достойно конкурировать на мировом рынке.

Участники «Дойче Веркбунд» могли создавать практически все предметы – от жилых домов до дверных ручек.

Например, Петера Беренса называют одним из первых в мире промышленных дизайнеров. Он проектировал не только большие архитектурные комплексы, но и лампочки, чайники и вентиляторы.

Одним из проектов «Дойче Веркбунд» стало поселение Хеллерау. Его в 1909 году основал Карл Шмидт в пригороде Дрездена. Шмидт был плотником, который расширил своё дело до фабрики. В Хеллерау жили художники и рабочие, их уютные дома утопали в зелени. Это соответствовало концепции «города-сада». Жизнь в Хеллерау объединяла работу, культуру и образование.

Участник «Дойче Веркбунд» Вальтер Гропиус в 1919 году основал в Веймаре первую дизайнерскую школу Баухаус. С немецкого языка это название переводится как «строительный дом». Это было учебное заведение, готовящее художников для работы в промышленности.

Прежние школы существовали в рамках определённого ремесленного производства. В Баухаусе полагали, что овладение одним лишь мастерством недостаточно для того, чтобы поставить пластические искусства на службу промышленности. Поэтому, помимо обычных зарисовок с натуры и технического рисования, на всех курсах велась экспериментальная работа. Во время этой работы изучались закономерности ритма, баланс и соразмерность масс, осваивались нюансы восприятия и формообразование.

Задачей школы стала подготовка специалистов с богатыми художественными, духовными и творческими возможностями.

Специализация в Баухаусе начиналась с первого курса. Обучение разделялось на техническую и художественную подготовку. Ремесленные занятия в мастерской были обязательными для будущих дизайнеров, потому что, только создавая своими руками модель, они могли ощутить всю целостность процесса, который на производстве может быть разбит на отдельные операции.

Одним из выпускников Баухауса был Марсель Лайош Брёйер. В 1925 году он придумал складное кресло. При его создании Брёйер вдохновлялся строением руля своего велосипеда. Однажды это кресло увидел Василий Кандинский и попросил сделать ему такое же. Позже кресло было названо в честь художника – «Василий».

Ещё один представитель Баухауса – Вильгельм Вагенфельд. За свою жизнь он создал десятки моделей ваз, сервизов и разнообразных столовых приборов. Вагенфельд считал, что всё нужное должно быть красивым, функциональность предметов должна подкрепляться эстетической составляющей. В стенах Баухауса Вагенфельд создал светильник, известный также как «лампа Баухаус».

В Баухаусе училась Марианна Брандт. Она создала множество предметов, отличающихся лаконичностью. Брандт спроектировала настольную лампу, вариации которой до сих пор можно встретить в магазинах. Для нас светильник, в котором нет ни одной лишней детали, кажется вещью совершенно обыденной, но для 1920-х годов это была настоящая революция: осветительные приборы в те времена пышно декорировались.

На территории России также велась работа по подготовке промышленных дизайнеров. В 1920 году были созданы Высшие художественно-технические мастерские – или сокращённо ВХУТЕМАС.

Позже они были преобразованы в институт ВХУТЕИН (Высший художественно-технический институт), который просуществовал до 1930 года.

Первые два года обучения, во время которых студенты получали общехудожественное образование, назывались основным отделением. Этот цикл так же, как и вводный курс Баухауса, как бы предвосхитил программы обучения современных дизайнерских школ. Подготовка художника-производственника рассматривалась как комплексная задача воспитания всесторонне развитого работника нового общества.

ВХУТЕМАС состоял из восьми факультетов:

живописного,

скульптурного,

архитектурного,

деревообделочного,

металлообрабатывающего,

полиграфического,

текстильного

и керамического.

Из ВХУТЕМАСа вышло много выдающихся специалистов.

Абрам Дамский проектировал светильники для станций московского метро. На станции «Киевская» Филёвской линии он создал светильник под названием «Люцетта», а на станциях «Театральная», «Площадь Революции» и «Курская» – типовой светильник круглой формы, который за металлическое обрамление подвешивался к потолку.

Во ВХУТЕМАСе преподавала старшая сестра Владимира Маяковского – Людмила. На тот момент она была единственным специалистом по проведению способа аэрографии в широких промышленных масштабах. Людмила Маяковская так говорила: «Аэрография – воздухописание или печатание посредством распыления краски аппаратом… Этот метод мало изучен и мало употребляется в промышленности, особенно текстильной, а между тем в дни особенного интереса к аэронавтике, в дни завоевания воздуха следовало бы остановиться на применении воздуха в печатании и рисовании…»

Период 1930–1960-х годов был сложным для развития дизайна в СССР: с одной стороны – война и послевоенная разруха с её первоочередными задачами; с другой – дизайн перестал быть действительно творческой деятельностью. Принцип стандартизации в этот период применялся не только к человеку, но и к создаваемой искусственной среде. Всё, что позволило отечественному дизайну достичь высот мирового признания, перестало вписываться в изменившуюся атмосферу жизни.

В 1961 году Всесоюзный научно-исследовательский институт технической эстетики, который был создан дизайнером Юрием Соловьёвым, начал свою деятельность с издания журнала «Техническая эстетика». Это было время возрождения художественного конструирования. ВHИИТЭ сумел сохранить теоретическую школу, продолжая изучать опыт европейского дизайна и предлагая свои концепции.

ВНИИТЭ часто выполнял автомобильные проекты. Известен прототип такси-минивена. В этот автомобиль легко помещалась даже детская коляска.

Непривычным для советских людей стал автоприцеп «Рапан». Он был рассчитан на семью из четырёх человек. Внутри размещалась двуспальная кровать и две кровати поменьше. Родительское место складывалось в обеденный стол, а детские кровати превращались в игровую зону. На кухне находились плита, рабочая поверхность и холодильник, в ванной – душ и биотуалет.

В 1990-е годы дизайн в России стал развиваться стремительными темпами. Появились частные дизайн-студии – например, студия Артемия Лебедева. Среди работ студии – первые логотипы «Яндекса», варианты дизайна схем метрополитена Санкт-Петербурга и Москвы, логотип московского метро, а также туристические логотипы российских городов.

В современном мире дизайн оказывает значительное влияние на все сферы жизни. История развития дизайна продолжает создаваться. В неё вписано множество замечательных имён.

Владимир Пирожков – известный российский дизайнер. Он работал над официальной раскраской самолёта Sukhoi Superjet 100, а также дизайном факелов для зимней Олимпиады в Сочи.

Святослав Саакян занимается автомобильным дизайном и входит в число известных российских транспортных и промышленных дизайнеров.

Большую известность в мире получил российский модельер Вячеслав Зайцев.

Вячеслав Зайцев долгие годы воспринимался на Западе как лидер советской моды, его высокий авторитет выразился в присвоенном ему в западной прессе имени «Красный Диор». Это имя подчёркивало связь уникального искусства Зайцева с лучшими традициями мировой моды.

Зайцев был увлечён театром. В самом начале своего пути он верил, что мода будущего будет похожа на огромный театр, пронизанный красотой и многообразием форм и цвета. В своей коллекции «Ноктюрн» он отдал дань классической музыке. В ней нашлось место и для театральности, и для элегантности. Зайцев представил как классические силуэты, так и роскошные исторические, корсетные; буйство красок и принтов соседствовало с монохромными образами. Как и положено классическому определению ноктюрна, дефиле прошло на открытом воздухе. Ведь изначально термин «ноктюрн» обозначал музыку, исполнявшуюся на открытом воздухе.

Давайте подведём итоги.

Классическим примером дизайна XIX века является гнутая деревянная мебель фирмы «Братья Тонет».

В 1907 году в Германии было создано общество художников, инженеров и предпринимателей – «Дойче Веркбунд».

Вальтер Гропиус в 1919 году основал в Веймаре первую дизайнерскую школу Баухаус.

В 1920 году были созданы Высшие художественно-технические мастерские – ВХУТЕМАС.

В 1990-е годы в России стали появляться первые частные дизайн-студии.