«Музыка, идущая из глубины души»

МИНИСТЕРСТВО ОБРАЗОВАНИЯ И НАУКИ КРАСНОДАРСКОГО КРАЯ

ГОСУДАРСТВЕННОЕ БЮДЖЕТНОЕ ПРОФЕССИОНАЛЬНОЕ ОБРАЗОВАТЕЛЬНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ КРАСНОДАРСКОГО КРАЯ СЛАВЯНСКИЙ СЕЛЬСКОХОЗЯЙСТВЕННЫЙ ТЕХНИКУМ

Методическая разработка

классного часа:

«Музыка, идущая из глубины души»

Разработана классным руководителем:

Группы 3Б2

Занина Г. В.

Славянск – на - Кубани

2020 г.

СОДЕРЖАНИЕ

Введение

На рубеже XX — XXI веков российское общество пережило глобальные изменения, а именно кризис национального самосознания. Важнейшей задачей сегодняшнего дня является сохранение общенационального единства России, духовное оздоровление общества, что невозможно без воспитания национального самосознания. Уникальным и органичным ресурсом в решении этой задачи является народная традиционная культура, содержащая идеи и смыслы, знаковые системы, выполняющие функции социальной ориентации, обеспечивающие консолидацию общества и помогающие восстановлению культурной преемственности и этнической идентичности.

Проблема национального самосознания стала особенно актуальной сейчас, на исходе ХХ столетия, когда усилилась тенденция всемирного масштаба по нивелированию специфических культурных особенностей регионов земного шара, вплоть до уничтожения культурных отличий наций, народов и народностей, живущих в этих регионах. А поскольку национальная специфика, прежде всего, есть категория духовной культуры, то разрушению подвергнутся глубинные основы культуры и, в первую очередь, национальное самосознание.

Занятия музыкой воспитывают благодарного потребителя и ценителя культурного наследия. Человека, понимающего высокое искусство, будь то драматический, балетный, оперный спектакль, произведения изобразительного искусства или выступления музыкантов в концертных залах. Музыка- это не просто семь волшебных нот, собранных в композицию, это состояние души.

Актуальность исследования заключается в том, что музыкальные занятия имеют большое значение в обучении, развитии и воспитании детей. На уроке музыки, мне говорили о том, что между музыкой разных народов мира нет непереходимых границ. Музыка – это тоже язык, на котором люди разговаривают друг с другом, выражают свои мысли и чувства. Каждый народ имеет свой музыкальный язык, в отличие от разговорного, понятен всем другим народам без перевода.

Домра - это одна из немаловажных составляющих всего ассортимента русских народных инструментов. Популярность этого инструмента в наши дни ничуть не угасает. Многие люди связывают свою жизнь с этим музыкальным инструментом, идут с ним по жизни. Идут с песней. Ведь музыка- это не умение играть виртуозно на инструментах, это состояние души!

Игра на русских музыкальных инструментах позволяет не только приобщиться к музыке, но и познать историю своего народа, своей страны, своей культуры. Обучение детей в ДШИ позволяет ребенку найти в себе скрытые таланты, расширить кругозор и возможно даже достичь высочайших результатов в области музыки и искусства.

Наша страна – поистине неиссякаемый родник народного творчества, воплотившегося в промыслах и ремеслах. Музыка тому прямое доказательство. Правда, сам народ всегда любил своих музыкантов. Эта любовь спасла и инструменты, и традиции исполнительства на них от полного забвения. А потом нашлись энтузиасты, возродившие их для новой жизни.

Мир, в котором мы живем, насыщен всевозможными звуками. От шорохов и скрипов до ударов прибоя и раскатов грома. Древнейшие обитатели земли слышали примерно тоже, что и мы. Но между этим звуковым многообразием и музыкой огромная пропасть, потому что звуки сами по себе — еще не музыка. И когда человек начал воспроизводить их, приманивая птиц и животных, это тоже еще не была музыка. Человек должен был научиться, определенным образом, организовывать звуки и вкладывать в их последовательность свои чувства и мысли. Вот тогда и возникла музыка. Но происхождение музыки — очень сложная и во многом еще неясная проблема, существуют разные гипотезы, выдвинутые учеными. И все же природа всегда была для человека великим учителем. Познавая природу, открывая ее законы, он учился использовать их. Так возникли и музыкальные инструменты. Ведь принципы, на которых основана их конструкция, тоже заимствованы у природы.

Сравнение и изучение напевов, инструментов, музыкальных традиций разных народов дает современным музыкантам богатый материал, помогающий представить, как зарождалась и развивалась музыкальная культура человечества.

1. Народная музыка России

1.1 Историческая летопись

Русская народная музыка  берёт начало в фольклоре славянских племен, живших на территории Киевской Руси. Так как этнический состав населения был очень разнородным, русская музыка включала в себя, кроме славянских, также финно-угорские, тюркские и другие прототипы. Многие виды дошедших до нашего времени (начало XXI века) песен имеют языческие корни, иногда с влиянием христианской обрядовости.

Среди основных жанров народной музыки можно выделить календарные обрядовые песни, свадебные, эпические, танцевальные и лирические песни. Народная музыка была больше песенной, чем инструментальной (возможно, под влиянием церковного запрета на музыкальные инструменты в храме); исполнялись частушки. Народные инструменты в фольклоре используются обычно в быту пастухов или для некоторых видов танцев и песен. Наиболее распространены:

струнные инструменты (балалайка, гудок, гусли); духовые инструменты ( дудка, жалейка/рожок).

В летописях упоминаются: военные трубы, охотничьи рога, бубны. Такие инструменты, иногда ассоциирующиеся с русской музыкой, как баян (гармонь), мандолина, гитара, являются инструментами западноевропейского происхождения, и распространились в России сравнительно поздно (XIX—XX века).

В русской народной музыке сильны восточные влияния. Даже на севере находят следы пребывания купцов из Персии и Армении, и музыка этих и других восточных стран обогатила русский музыкальный фольклор и послужила источником вдохновения для некоторых композиторов 19 веке.

Среди ученых существовали различные мнения по вопросу о том, гомофонна или полифонична по своей природе русская народная песня. Композитор А.Н.Серов (1820–1871), одним из первых применивший научный подход к изучению музыкального фольклора, утверждал, что лады русских песен тождественны греческим. П.П. Сокальский в книге Русская народная музыка, великорусская и малорусская, в ее строении мелодическом и ритмическом и отличия ее от основ современной гармонической музыки (1888) разделяет мнение Серова о гомофонной (т.е. основанной на мелодии с сопровождением) природе русской народной музыки. Сокальский утверждал, что лады непосредственно привнесены в русскую народную песню из древнегреческой музыки теми византийскими священниками, которые проникли в Россию в период ее христианизации в 11 в. 

В противоположность Серову и Сокальскому видные теоретики и собиратели русских песен Ю.Н.Мельгунов и Н.Е.Пальчиков пришли к выводу, что русские песни полифоничны (основаны на одновременном ведении двух или более мелодических голосов) и что гармония – интегрирующее начало их структуры. Современная школа русской музыкальной фольклористики следует теории Мельгунова – Пальчикова о полифонической природе русской народной песни. Среди трудов по этой проблеме – Особенности народно-русской музыкальной системы (1923) А.Д. Кастальского. 

Первый сборник русских народных песен был опубликован в 1776 (второе издание в 1782)

В.Ф.Трутовским – музыкантом, служившим при дворе Екатерины Великой «камер-гуслистом». Его публикация, вышедшая четырьмя выпусками, содержит 60 песен и озаглавлена Собрание русских простых песен с нотами. Подлинные мелодии были снабжены фигурированным басом. В 1790 обрусевший чех Иван Прач издал большое собрание, включающее 100 песен, которое до сих пор остается одним из важных печатных первоисточников. Интересно, что русские темы из посвященных А.К.Разумовскому квартетов Бетховена взяты из сборника Прача. Переиздавая этот сборник в 1896, Н.Е.Пальчиков указал, что опубликованные Прачем песни были собраны для него Н.А.Львовым, русским помещиком и любителем музыки, в окружении которого было много певцов-дилетантов, представителей его класса. В 19 веке вышло из печати множество сборников русских народных песен. С художественной точки зрения, песни, гармонизованные Балакиревым, Римским-Корсаковым, Чайковским и Лядовым, представляют несомненную ценность, но для научного исследования русских ладов и ритмов фундаментальными источниками являются сборники Мельгунова (в 2 выпусках, 1879 и 1885) и Пальчикова (1888). Музыканты того времени сурово критиковали Мельгунова за игнорирование установленных правил гармонии. Однако именно это неподчинение правилам и верность подлинной гармонии хорового крестьянского пения делает сборники Мельгунова и (позднее) Пальчикова столь ценными. Если Трутовский и Прач сглаживали шероховатости подлинной русской песни, то Мельгунов и Пальчиков представили русские крестьянские песни такими, как они есть, без приукрашивания. 

В 20 в. музыкальный фольклор стал рассматриваться советской музыкальной теорией как один из важнейших источников композиторского творчества. Одним из самых значительных советских теоретиков был Б.В.Асафьев (1884–1949). Из представителей старшего поколения следует назвать М.М.Ипполитова-Иванова, ученика Римского-Корсакова, директора Московской консерватории с 1905. Как композитор и педагог он уделял много внимания народной музыке, особенно грузинской и армянской.

Выразительные средства народной музыки:

• мелос (от речитативного, например, эстонские руны, южнославянский эпос, до богато орнаментального, например, лирические песни ближнесредневосточных музыкальных культур);

• многоголосие (гетерофония, бурдон, полиритмичное сочетание попевок в ансамблях африканских народов, немецкая хоровая аккордика, грузинская квартосекундовая и среднерусская подголосочная полифония, литовская каноническая сутартине);

• ладозвукорядная система (от примитивных малоступенных и узкообъёмных ладов до развитой диатоники «свободного мелодического строя»);

• ритмика (в частности, ритмоформулы, обобщившие ритмику типовых трудовых и танцевальных движений).

1. Жанры народной музыки

Баллада — лиро-эпическое произведение, то есть рассказ, изложенный в поэтической форме, исторического, мифического или героического характера. Сюжет баллады обычно заимствуется из фольклора. Баллады часто кладутся на музыку. Баллада появилась в русской литературе в начале XIX века, когда отжившие свой век традиции старого псевдоклассицизма стали быстро падать под влиянием немецкой романтической поэзии. Первая русская баллада, и притом — оригинальная и по содержанию, и по форме — «Громвал» Г. П. Каменева (1772—1803). Но главнейшим представителем этого рода поэзии в русской литературе был В. А. Жуковский (1783—1852), которому современники дали прозвище «балладника» (Батюшков), и который сам в шутку называл себя «родителем на Руси немецкого романтизма и поэтическим дядькой чертей и ведьм немецких и английских». Первая его баллада «Людмила» (1808) переделана из Бюргера («Lenore»). Она произвела сильное впечатление на современников. «Было время, — говорит Белинский, — когда эта баллада доставляла нам какое-то сладостно-страшное удовольствие, и чем более ужасала нас, тем с большей страстью мы её читали. Она коротка казалась нам во время оно, несмотря на свои 252 стиха». Жуковский перевёл лучшие баллады Шиллера, Гёте, Уланда, Зейдлица, Соути, Мура, В. Скотта. Оригинальная его баллада «Светлана» (1813) была признана лучшим его произведением, так что критики и словесники того времени называли его «певцом Светланы».

Былины — русские народные эпические песни о подвигах богатырей. Основным сюжетом былины является какое-либо героическое событие, либо примечательный эпизод русской истории (отсюда народное название былины — «старина», «старинушка», подразумевающее, что действие, о котором идёт речь, происходило в прошлом). Былины написаны тоническим стихом с двумя-четырьмя ударениями. Впервые термин «былины» введён Иваном Сахаровым в сборнике «Песни русского народа» в 1839 году, он предложил его исходя из выражения «по былинам» в «Слове о полку Игореве», что значило «согласно фактам».

Джига, или жига — быстрый старинный британский танец кельтского происхождения. Музыкальный размер 3/8, 6/8, 9/8 или 12/8 (в зависимости от разновидности). В настоящее время джига является одной из основных мелодий исполнения ирландских и шотландских танцев.

Духовные стихи́ — русские народные стихотворения-песни на христианские темы и сюжеты. Старинный духовный стих назывался словом (существительным женского рода)  пса́льма — по названию псалмов, входивших в состав Псалтири. Более поздние силлабические и силлабо-тонические стихи именовались словом кант или канта. Первые дошедшие до нас записи относятся к XV веку, однако наибольшее распространение получили с XVII века По всей видимости, имеют смешанное происхождение — русское эпическо-былинное и европейское лирическо-песенное. В основном традиция псальм, внеслужебных религиозных песен пришла в Россию с Украины и из Польши в XVI веке.

Изначально исполнителями псальм были калики перехожие — паломники во Святую землю, а позднее бродячие слепые певцы. Поскольку духовный стих несет в себе глубокое назидательное, учительное начало, то он, как замечает Ф. И. Буслаев, «изъят из общего ежедневного употребления и предоставлен как особая привилегия только тем лицам, которые тоже будучи изъяты из мелочных хлопот действительности, тем способнее были сохранить для народа назидательное содержание его религиозной поэзии». Вплоть до XIX века бродячие певцы оставались основными творцами и исполнителями духовных стихов в Белоруссии, на Украине, в Болгарии и большинстве регионов России. Но начиная с XVIII века псальмы получают широкое распространение в среде старообрядцев и сектантов — хлыстов, скопцов, молокан, духоборов и др. (В хлыстовстве и скопчестве духовные стихи обычно назывались «роспевцами».) В этой, более религиозной, среде духовные стихи начинают петься обычными людьми. Как пишет известный фольклорист С. Е. Никитина: «В старообрядческой среде духовный стих переживает свое второе рождение. Духовные стихи старообрядцев были поэтическим воплощением их истории и учения: осмысление никонианской реформы, разгром и закрытие монастырей, начиная с Соловецкого, „выгонки“ в отдаленные места, подвиги и мучения героев и страдальцев — протопопа Аввакума, боярыни Морозовой, Симеона Верхотурского и др., учение об антихристе, споры о браке, указание путей к спасению — все становилось предметом поэтического описания. Однако основная функция стиха у старообрядцев оставалась та же — они связывали мир христианской книги с миром народных представлений, толковали сложные тексты понятным языком»

Застольная песня — песенный жанр; песни, которые обычно поют во время застолий, праздничных приёмов пищи или песни, описывающие сами застолья.

Принято считать, что активное развитие в России жанр получил в XVIII столетии, вопрос о его источниках спорен. С точки зрения А. В. Позднеева, возникновение жанра в России относится к петровской эпохе, однако, по мнению Т. А. Коломийченко, этому предшествовала устная традиция свадебных и шуточных песен.

Уже в начале XVIII века широко распространились бытовые песни с куплетным построением и несложной ритмикой (канты), среди них постепенно выделились канты застольные (в то время называвшиеся «столовыми»). В печати застольные песни появились уже со второй половины XVIII века.

Каланда — греческие предпраздничные песни, сродни русским колядкам, которые распевают все 12 дней между Рождеством 25 декабря и Теофанией 6 января. Происходит от латинского слова «calenda», что означает «начало месяца». А уже это слово в свою очередь произошло от греческого слова καλώ — «зову, призываю». Данный обычай сформировался в Древней Греции раньше, чем в Древнем Риме, и славил начало месяца или другого важного периода. Обычно «каланда» поют дети в возрасте до 14 лет, но также и взрослые мужчины как по одному, так и группами, заходя в дома, магазины, другие общественные места. Пение обычно сопровождается музыкальным треугольником, но часто можно увидеть и другие музыкальные инструменты. Песни выражают пожелания счастья и долголетия, певцы обычно одариваются подарками (в старину) или мелкими деньгами (сегодня).

Колыбельная песня — один из древнейших жанров фольклора. Обычно это мелодия или песня, напеваемая людьми для успокаивания и засыпания. В основном колыбельную поёт мать своему ребенку, но зачастую исполнителем и слушателем могут быть влюблённые, колыбельная может быть записана на носитель информации, может петься родными для больного и в прочих случаях. В пионерлагерях/ детских лагерях колыбельная является старейшим по происхождению песенным сигналом. Отличительным признаком колыбельной песни является её цель — достичь засыпания человека. Неизменно, у всех народов колыбельная не требует каких-либо инструментов для её исполнения, достаточно только голоса. В большинстве своем механизмы внушения при помощи убаюкивающих песен имеют установку на работу правого полушария мозга и воздействуют на эмоции, подсознание. В данном жанре сохранились элементы заговора-оберега. Люди верили, что человека окружают таинственные враждебные силы, и если ребёнок увидит во сне что-то плохое, страшное, то наяву это уже не повторится. Вот почему в колыбельной можно найти «серенького волчка» и других пугающих персонажей. Позже колыбельные песни утрачивали магические элементы, приобретали значение доброго пожелания на будущее.

Колыбельная песня — песня, с помощью которой убаюкивают ребенка. Поскольку песня сопровождалась мерным покачиванием ребёнка, в ней очень важен ритм.

Морские песни шанти́— поджанр народной английской музыки, песни, которые пели британские моряки. По некоторым предположениям, ведут свое начало еще с 15-го века, но так как эта версия не имеет доказательств, скорее всего, возникли позднее. Были распространены до XX века, в настоящее время сохраняются собирателями и любителями фольклорной музыки. Во времена парусного судоходства шанти имели практическую ценность — их ритм помогал морякам синхронизировать темп своей совместной работы. Также они несли психологическую пользу — расслабляли и разгоняли скуку тяжелой работы. Благодаря их использованию команда также могла иносказательно высказать свое мнение о ситуации, не дав повода к наказанию от начальства. Большинство шанти построено по принципу народных песен «вопрос-ответ»: один человек-запевала («шантимен») поет строку, а хор моряков подхватывает.

Хорнпайп — народный танец под синкопированную мелодию, название которого произошло от названия древнего валлийского и шотландского музыкального духового язычкового инструмента. Известен с XV века, особо популярен был в XVI—XIX вв. Требует небольшого пространства для исполнения, близок к джиге; изначально был сольным мужским танцем, но известны и парные, и парные круговые версии.

Частушка — фольклорный жанр, короткая русская народная песня (четверостишие), юмористического содержания, передаваемая обычно устно.

Особенное развитие изустное творчество получает в областях, запрещённых цензурой. В предсоветскую эпоху к таким темам относилась религия. В эпоху СССР большинство частушек имело острую политическую или сексуальную направленность; многие содержали ненормативную лексику. Текст частушки — обычно четверостишие, написанное хореем, в котором рифмуются 2-я и 4-я строки (иногда перекрестно рифмуются все строки). Характерной чертой языка частушки является его выразительность и богатство языковых средств, часто выходящее за рамки литературного языка. Частушка часто исполняется под аккомпанемент гармони или балалайки. Частушка возникла в последней трети XIX века как элемент сельского фольклора, но наибольшее развитие получила после становления советской власти. По теме частушки можно разделить на любовно-бытовые и «общественно-политические». Часто они переплетаются между собой. «Любовно-бытовые» обычно деревенско - колхозные будни. Неотъемлемой частью является колхозная производственная тематика, с участием трактористов-механизаторов.

«Общественно-политическим» присуще сатирическое изображение жизненных условий. В годы советской власти поводом для частушек служила советская пропаганда. Во многих частушках демонстрировалось общее народное равнодушие ко всем пертурбациям в стране — в противовес навязываемой политической активности. Иногда в частушках отражались текущие новости. Некоторые частушки являлись моментальной меткой реакцией на злободневные темы. В то же время, в целях пропаганды издавались сборники «идеологически правильных» частушек. Частушки сочиняли все — и взрослые и дети. В 90-е годы, после перестройки, появились частушки с использованием иностранных слов. С изменениями в стране изменились и темы для частушек, но основной темой по-прежнему остались взаимоотношения между мужчиной и женщиной.

1. Русские народные музыкальные инструменты

2.1 Сущность музыкальных инструментов

Музыкальный инструмент — предмет, с помощью которого музыканты извлекают любые, в том числе и немузыкальные неорганизованные звуки.

Cуществующие обыкновенные музыкальные инструменты подразделяются на несколько групп: струнные щипковые, струнные смычковые, медные духовые, язычковые духовые, деревянные духовые, ударные. В отдельную группу можно выделить клавишные инструменты, хотя способы звукоизвлечения в них зачастую различны. Физическая основа музыкального инструмента, производящего музыкальные звуки (за исключением цифровых электрических устройств), это резонатор. Это может быть струна, столб воздуха в некотором объёме, колебательный контур, или иной объект, способный запасать подведённую энергию в виде колебаний. Резонансная частота резонатора определяет основной тон (первый обертон) производимого звука. Инструмент может производить столько звуков одновременно, сколько резонаторов в нём смонтировано. Звучание начинается в момент ввода энергии в резонатор. Резонансные частоты резонаторов некоторых инструментов часто можно плавно или дискретно изменять в процессе игры на инструменте. В музыкальных инструментах, производящих немузыкальные звуки, например ударных, наличие резонатора не принципиально.

Куги́клы (куви́клы) или цевница — духовой музыкальный инструмент, русская разновидность многоствольчатой флейты. Кугиклы представляют собой набор пустотелых трубок (3—5 трубок) различной длины (от 100 до 160 мм) и диаметра. Трубки изготавливаются из стеблей куги (болотного камыша), тростника, бамбука, веток деревьев и кустарников, имеющих сердцевину. Трубки инструмента не скрепляются между собой, что позволяет их менять в зависимости от требуемого строя. Верхние открытые концы расположены на одном уровне, нижний закрыт узлом ствола. Современные кугиклы могут быть металлическими, изготовлены из пластмассы или эбонита. Поднося верхние концы трубочек ко рту и поводя ими (или головой) из стороны в сторону, дуют на края срезов, извлекая, как правило, короткие, толчкообразные звуки.

Звук кугиклы тихий, нежный, свистящий. Он хорошо сочетается с другими народными инструментами - дудкой, рожком, жалейкой, свирелью, народной скрипкой. На кугиклах играют в основном женщины, ансамбль кугикальниц состоит из 3-4 исполнительниц, одна – две играют и одновременно издают голосом звуки, похожие на звук трубочек, остальные подыгрывают те же мелодии в синкопированном ритме.

  Рубе́ль (ребрак, пральник) — предмет домашнего быта, который в старину русские женщины использовали для глажения белья после стирки. Отжатое вручную бельё наматывали на валик или скалку и раскатывали рубелём, да так, что даже плохо постиранное белье становилось белоснежным, как будто из него все «соки» выжали. Отсюда пословица: «Не мытьем, а катаньем».

Рубель представлял собой пластину из дерева твёрдых пород с ручкой на одном конце. На одной стороне пластины нарезались поперечные скруглённые рубцы, вторая оставалась гладкой, а иногда украшалась затейливой резьбой. В разных регионах нашей страны рубели могли отличаться или особенностями формы, или своеобразным декором. Так, во Владимирской губернии рубеля, украшенные геометрической резьбой, отличались необычайной длиной, на реке Мезень рубеля делались широкими, слегка расширяющимися к концу, а в Ярославской губернии, кроме геометрической резьбы рубель иногда украшала объемная скульптура, которая, выступая над резной поверхностью, служила в то же время и очень удобной второй ручкой. Иногда рукоятку рубеля делали полой и закладывали внутрь горошинки или другие мелкие предметы, чтобы они гремели при раскатывании. Для рубелей применяют древесину твердых лиственных пород: дуба, рябины, бука, клёна, берёзы. В работе можно использовать отходы досок древесины, обрабатывая их вручную или на станке. Торцы рубелей ровно опиливают, острые углы на гранях округляют напильником. Из этой же заготовки вырезается и ручку. Дополнительной операцией является нарезка на нижней поверхности рубелей валиков. В следующем этапе работы производят сглаживание получившихся острых граней, придавая им круглую форму. Резонаторная щель в корпусе высверливается и обрабатывается с одной из боковых торцевых сторон, причем не насквозь.

2.4 Баян

2.6 Жалейка

1. Струнные русские народные музыкальные инструменты

   1. Балалайка

Наиболее распространенными струнными инструментами на Руси были: балалайка, гусли и домра.

Домра – старинный русский струнный щипковый музыкальный инструмент. Судьба его удивительна и уникальна в своем роде. Откуда пришла, как и когда появилась домра на Руси, до сих пор остается для исследователей загадкой. В исторических источниках сохранилось немного сведений о домре, еще меньше дошло до нас изображений древнерусской домры. Да и домры ли изображены на дошедших до нас документах, или какие-то другие, распространенные в те времена щипковые инструменты, тоже неизвестно. Первые упоминания о домре обнаружены в источниках XVI века. В них говорится о домре как о довольно распространенном уже в ту пору на Руси инструменте.

В настоящий момент наиболее вероятных версий происхождения домры две. Первая и самая распространенная - версия о восточных корнях русской домры. Действительно, схожие по конструкции и способу звукоизвлечения инструменты существовали и по сей день существуют в музыкальных культурах стран Востока. Если вам доводилось видеть или слышать казахскую домбру, турецкую багламу или таджикский рубаб, то вы могли заметить, что все они имеют круглую или овальную форму, плоскую деку, звук извлекается посредством ударов плектра разной частоты и интенсивности. Принято считать, что все эти инструменты имели одного предка – восточный танбур.

Именно танбур имел овальную форму и плоскую деку, играли на нем специальной щепочкой, выточенной из подручных материалов - плектром. Предположительно, инструмент, позже трансформировавшийся в домру, завезли либо во времена татаро-монгольского ига, либо в ходе торговых отношений со странами Востока. Да и само название «домра», несомненно, имеет тюркский корень.

Другая версия исходит из предположения, что свою родословную домра ведет от европейской лютни. В принципе, в Средние века лютней называли любой струнный щипковый инструмент, имевший корпус, гриф и струны. Лютня, в свою очередь, произошла также от восточного инструмента – арабского аль-уда. Возможно, на внешний вид и конструкцию домры повлияли инструменты западных, европейских, славян, например, польско-украинская кобза и ее усовершенствованный вариант - бандура. Как раз бандура очень многое заимствовала непосредственно от лютни. Учитывая, что славяне в Средние века постоянно находились в сложных историко-культурных взаимоотношениях, безусловно, домру можно также считать родственной всем европейским струнно-щипковым инструментам того времени.

Таким образом, исходя из накопленных к настоящему моменту знаний и исследований, можно сделать вывод, что домра являлась типично русским инструментом, объединившим в себе, как и многое в культуре и истории нашего государства, и европейские, и азиатские черты.

Тем не менее, каково бы ни было истинное происхождение домры, точно установлено, что инструмент с таким названием бытовал на Руси и являлся неотъемлемой частью русской культуры в XVI-XVII веках. Играли на нем музыканты-скоморохи, о чем свидетельствует также известная исследователям поговорка «рад скомрах о своих домрах». Более того, при царском дворе существовала целая «Потешная палата», некий музыкально-развлекательный коллектив, основу которого и составляли скоморохи со своими домрами, гуслями, гудками и прочими древнерусскими музыкальными инструментами. Кроме того, по мнению некоторых исследователей, домра в то время уже образовала семейство ансамблевых разновидностей. Самая маленькая и писклявая называлась «домришка», самая большая и низкая по звучанию – «домра басистая».

Известно также, что домры и исполнители на домрах – скоморохи и «домрачеи», пользовались немалой популярностью в народе. Всевозможные торжества, празднества и народные гуляния во все времена и у всех народов сопровождались песнями и игрой на музыкальных инструментах. На Руси в Средние века развлекать народ было уделом «домрачеев», «гусельников», «скрыпотчиков» и других музыкантов. На домрах, подобно гуслям, аккомпанировали народному эпосу, былинам, сказаниям, а в народных песнях домра поддерживала мелодическую линию. Достоверно известно, что было налажено кустарное производство домр и домерных струн, записи о поставках которых ко двору и в Сибирь сохранились в исторических документах…

Предположительно, технология изготовления домры была такова: из цельного куска древесины выдалбливался корпус, к нему приделывали палку-гриф, натягивали струны или жилы животных. Играли щепочкой, перышком, рыбьей костью. Сравнительно простая технология, по-видимому, позволила инструменту получить на Руси достаточно широкое распространение.

Но тут в истории домры наступает самый драматический момент. Обеспокоенные развитием светской культуры, служители церкви ополчились на музыкантов и объявили представления скоморохов «бесовскими игрищами». В результате в 1648 году царем Алексеем Михайловичем был издан указ о массовом истреблении ни в чем не повинных инструментов – орудий «бесовских игрищ ». Знаменитый указ гласит: «А где объявятся домры, и сурны, и гудки, и гусли, и хари, и всякие гудебные сосуды… велел изымать и, изломав те бесовские игры, велел жечь». По свидетельству немецкого путешественника XVII века Адама Олеария, русским запретили инструментальную музыку вообще, а однажды несколько телег, груженых отобранными у населения инструментами, вывезли за Москву-реку и там сожгли. Гонениям подверглись и музыканты, и скоморошество в целом.

Пожалуй, такого поистине трагического поворота судьбы не случалось ни с одним музыкальным инструментом в мире. Итак, в результате ли варварского истребления и запрета, или по иным причинам, но после XVII века никаких существенных упоминаний о старинной домре исследователи не находят. История древнерусского инструмента здесь обрывается, и можно было бы поставить точку, но… Домре суждено было буквально возродиться из пепла!

Произошло это благодаря деятельности выдающегося исследователя и музыканта, необычайно талантливого и неординарного человека – Василия Васильевича Андреева. В 1896 году в Вятской губернии он обнаружил неизвестный инструмент с полусферическим корпусом. Предположив по его внешнему виду, что это и есть домра, он отправился к известному мастеру Семену Ивановичу Налимову. Вместе они разработали конструкцию нового инструмента, опираясь на форму и конструкцию найденного. Историки до сих пор спорят о том, был ли найденный Андреевым инструмент действительно старинной домрой. Тем не менее, реконструированный в 1896 году инструмент получил название «домра». Круглый корпус, средней длины гриф, три струны, квартовый строй – так выглядела реконструированная домра.

К тому моменту у Андреева уже существовал оркестр балалаек. Но для воплощения его гениальной идеи Великорусского оркестра нужна была ведущая мелодическая группа инструментов, и восстановленная домра со своими новыми возможностями идеально подходила на эту роль. В связи  с историей создания Великорусского оркестра стоит упомянуть еще об одном выдающемся человеке, без которого, возможно, идея так и не нашла бы своего воплощения. Это пианист и профессиональный композитор Николай Петрович Фомин, ближайший сподвижник Андреева. Именно благодаря профессиональному подходу Фомина кружок Андреева, поначалу любительский, изучил нотную грамоту, встал на профессиональную основу и затем покорял своими выступлениями слушателей как в России, так и за ее пределами. И если Андреев был  прежде всего генератором идей, то Фомин стал тем человеком, благодаря которому, фактически, домры и балалайки встали на путь развития как  полноценные академические  инструменты. 

Но вернемся к домре. В период 1896-1890 гг. В. Андреевым и С. Налимовым были сконструированы ансамблевые разновидности домры. И первые несколько десятилетий после своего нового рождения домра развивалась в русле оркестрового и ансамблевого исполнительства.

Однако почти сразу же выявились и некоторые ограничения по возможностям андреевской домры, в связи с чем предпринимались попытки ее конструктивного совершенствования. Главной задачей стало расширение диапазона инструмента. В 1908 году по предложению дирижера Г. Любимова мастером С. Буровым была создана четырехструнная домра, с квинтовым строем. «Четырехструнка» получила скрипичный диапазон, но, к сожалению, уступала «трехструнке» в темброво-колористическом плане. Впоследствии также появились ее ансамблевые разновидности и оркестр четырехструнных домр.

Интерес к домре рос с каждым годом, расширялись музыкальные и технические горизонты, появлялись музыканты-виртуозы. Наконец, в 1945 году был создан первый инструментальный концерт для домры с оркестром русских народных инструментов. Знаменитый концерт g-moll Николая Будашкина был написан по просьбе концертмейстера оркестра им. Осипова Алексея Симоненкова. Это событие открыло новую эру в истории домры. С появлением первого инструментального концерта домра становится сольным, виртуозным инструментом.

В 1948 году в Москве открывается первая в России кафедра народных инструментов при Государственном музыкально-педагогическом институте им. Гнесиных. Первым педагогом по домре стал выдающийся композитор Ю. Шишаков, а затем молодые солисты оркестра им. Осипова В. Мироманов и А. Александров – создатель первой школы игры на трехструнной домре. Благодаря высшему профессиональному образованию народный изначально инструмент домра за короткий срок прошел на академической сцене путь, на который инструментам симфонического оркестра потребовались столетия (ведь и скрипка когда-то была народным инструментом!).

Исполнительство на домре движется вперед гигантскими темпами. В 1974 году прошел I Всероссийский конкурс исполнителей на народных инструментах, победителями конкурса стали выдающиеся домристы-виртуозы - Александр Цыганков и Тамара Вольская (смотрите в разделе Интервью), творческая деятельность которых на десятилетия вперед определила направление развития домрового искусства как в области собственно исполнительства, так и домрового репертуара.

Сегодня домра – молодой перспективный инструмент с огромным, прежде всего, музыкально-выразительным потенциалом, имеющий истинно русские корни и, тем не менее, поднявшийся до высот академического жанра. Какова будет его дальнейшая судьба? Слово за вами, уважаемые домристы!

1. Манера игры

Малая домбра состоит из трёх частей: корпуса, грифа (шейки) и головки.

Корпус имеет кузов, деку, которая закрывает кузов сверху и окантовывается по краям обечайкой, кнопки для закрепления струн и нижний порожек, предохраняющий деку от давления натянутых струн. В середине деки находится круглое отверстие - голосник с фигурной розеткой. Над декой, около накладки грифа имеется навесной панцирь, защищающий при игре деку от царапин. Над струнами и нижним порожком иногда бывает укреплена подставка - подлокотник.
Гриф вставлен в корпус и закреплен в нем. Сверху на гриф наклеена накладка, в месте соединения головки с шейкой грифа прикреплен верхний порожек. На накладку нанесены тонкие поперечные пропилы, в которые вставляются металлические порожки. Промежутки между металлическими порожками называются ладами. Порядковый счет их начинается от верхнего порожка. Лады II, V, VII, X, XII и XIX отмечены белыми кружочками. На головке грифа имеются колковые валики для закрепления струн. Их натяжение регулируется вращением колков.

От расположения подставки и верхнего порожка зависит высота струн над грифом. Струны, слишком высоко приподнятые над грифом, затрудняют игру на инструменте, их трудно прижимать на ладах. На подставке и на верхнем порожке делаются углубления (прорези) для струн. Подставка устанавливается на деке в точно установленном месте. Это место должно находиться на одинаковом расстоянии как от верхнего порожка до 12-го металлического порожка, так и от 12-го металлического порожка до подставки. На верхней части подставки делают наклейки ровные или фигурные. Фигурные наклейки служат для выравнивания строя инструмента.
Домра изготавливается из выдержанного сухого дерева. Корпус, состоящий из семи клепок, делается из клена или палисандра. Дека - из прямолинейной (резонансовой) ели. Шейка грифа склеена из трех продольных частей твердых пород дерева. Лучший материал для изготовления подставки - клен. Наклейка на подставке, а также верхний и нижний порожки делаются из черного дерева или белой кости. Кленовый навесной подлокотник крепится шурупами к обечайке корпуса. Панцирь также делается из твердой породы дерева или пластмассы. Металлическая колковая механика плотно прикреплена к головке инструмента, колки вращаются легко и плавно.
Струны изготавливаются из специальной стали и имеют различное сечение (толщину): первая - 0,30 мм (возможно 0,32 мм), вторая - 0,40 мм, третья - 0,56 мм (возможно 0,58 мм). Третья струна обвита мишурой с шелковыми нитями. Каждая струна закрепляется петлей на соответствующей ей кнопке. Затем, протянутая от кнопки через нижний порожек по углублениям в подставке и в верхнем порожке, закрепляется двумя-тремя оборотами (против часовой стрелки) вокруг основания валика колка. Все части инструмента должны быть хорошо пригнаны. От этого во многом зависит качество его звучания.

Они при трении о струны дают больше шума и стачиваются быстрее. Для игры мягким приглушенным звуком иногда используют кожаный медиатор. Кожаный медиатор можнозаменить толстым эластичным (гнущимся) пластмассовым медиатором белого цвета, который также извлекает мягкий приятный звук. Эпизодично можно пользоваться и медиатором из полиэтилена, но, как правило, он дает эффект только на витыхструнах. Качество медиатора зависит не только от того, из какого материала он изготовлен, но и от его размеров, формы, заточки и полировки.

Основные требования к посадке домристов продиктованы необходимостью обеспечения следующих моментов:

- удобства звукоизвлечения правой рукой;

- удобства работы левой рукой во всех позициях;

- сохранения зрительной связи с играющими руками;

- свободы, а одновременно и собранности всего организма ученика.

Постановка правой руки

Постановка исполнительского аппарата даст возможность музыканту добиться не только легкой, подвижной техники, свободы колебательных движений кисти правой руки, но и глубокого, содержательного звука. Она обеспечивает любой характер исполнения в соответствии с замыслом музыкального произведения. Необходимо усвоить, что в колебательных движениях должна участвовать вся правая рука. Прежде всего постановка правой руки требует, совершенствования коротких кистевых движений, которые являются основой всех движений правой руки при игре на домре. Затем необходимо поработать над движениями сухожилия и мышц предплечья. Эти движения очень сложны и управляются внутренними эмоциями музыканта. Именно они в конечном счете влияют на характер звука, делают его живым, содержательным. Как не правильно исключать кистевые движения и пытаться воспроизводить колебательные движения за счет только локтевого сустава, так же не оправданно поступать и наоборот.

Я огромное значение придаю позиционной игре, большое внимание уделяю развитию четвертого пальца. И в условиях квартового строя необходимо заставлять четвертый палец работать.

Большое внимание отводится игре гамм и аккордов. Здесь идет речь о развитии беглости пальцев левой руки и о выработке умения не только правильно прижать струну, но и «отжать» ее, о приобретении навыков поднятия каждого предыдущего пальца или ослабления давления пальца на струну без его поднятия. В левой руке пальцы работают «от основания» попеременно, последовательно: один прижимается, а другой поднимается. Это важно для развития беглости при игре на домре и особенно на мандолине. Поэтому правильная постановка руки просто необходима!

Несомненный интерес представляет изучение «Исполнительские штрихи на домре», где очень подробно описаны различные штрихи и способы их исполнения. Например, отмечается, что при игре кантилены (певучей мелодии) необходимо не только овладеть техникой правой руки и умением настроиться на художественный образ, смоделировать внутренним слухом идеальное звучание, выбрать необходимый тембр – точку и угол соприкосновения медиатора со струной; и верно подобрать аппликатуру. Очень важно помнить об одном правиле: ни в коем случае нельзя сохранять в статике корпус инструмента.

1. Детская школа искусств им. Г.Ф.Пономаренко

Детская школа искусств  им. Г.Ф.Пономаренко г. Славянск-на-Кубани  основана 1 сентября 1962 года. В этом году школе исполняется 50  лет. В школе обучается 940 учащихся, работает более 60 преподавателей. Обучение ведется  по специальностям: фортепиано, скрипка, виолончель, труба,  альт, кларнет, саксофон,  баян, аккордеон, домра, балалайка, гитара, синтезатор, вокал, народное пение, хореография, работает отделение раннего эстетического развития.

Творческий коллектив преподавателей возглавляет директор школы Марина Алексеевна Тимченко. Большой опыт работы обеспечивает активную и слаженную деятельность всех работников ДШИ. Учебным процессом школы руководит Ромах Елена Яковлевна, заместитель директора по учебной и воспитательной работе. Научно-методической работой занимается  заместитель директора Соколова Елена Яковлевна, внеклассную и организационную работу курирует Саяпина Людмила Григорьевна.

В ДШИ работает отделение раннего эстетического развития, которое пользуется большой популярностью среди жителей нашего города. Здесь обучается более 300 детей дошкольного возраста. Возглавляет  отделение Кравцова В.О. Под ее руководством трудятся: Пивнева И.М., Середенко Л.Ф., Середенко Н.Ф., Самохина В.В. и учитель-логопед Садакова В.Н.

Реализуемые в школе программы  художественно-эстетической направленности формируют у детей способность  быстро адаптироваться к современным социокультурным реалиям современного общества. В последние годы вырос показатель контингента учащихся на отделении  раннего эстетического развития, а также увеличилось число учащихся на музыкальном и хореографическом отделениях.

Коллектив педагогов и учащихся школы  активно участвуют  в социокультурной инфраструктуре города и района. Преподаватели и учащиеся являются участниками международных и краевых  фестивалей-конкурсов, выступая практически на всех городских мероприятиях. Школа работает в тесном контакте с учреждениями культуры города, района, края в целях художественно-эстетического образования и воспитания молодого поколения, способного развивать и создавать отечественную и кубанскую  музыкальную  и хореографическую культуру,  дарить  радость встрече с ней своим землякам.

Звание «Образцовый художественный коллектив»  защитили и подтвердили семь детских творческих коллектива: оркестр духовых инструментов (руководитель Заслуженный  работник культуры Кубани  Алексей Петрович Рябченко), оркестр русских народных инструментов (руководитель Соколова Елена Яковлевна), академический хор старших и хор младших классов (руководитель Казымова Елена Анатольевна), ансамбль скрипачей  старших классов (руководитель Симоненко Марина Александровна), хореографический  ансамбль «Мечты» (руководитель Косенко Оксана Валерьевна), ансамбль народной песни «Казачок» (руководитель Апанасенко Людмила Павловна). Три педагогических  творческих коллектива защитили звание «Народный самодеятельный коллектив»: вокальная группа «Призвание» (руководитель Казымова Елена Анатольевна), ансамбль скрипачей  (руководитель Худоконенко Валентина Васильевна), ансамбль народных инструментов (руководитель Парахин Александр Иванович).

Целевая программа  «Развитие  художественно-эстетического образования и воспитания  в муниципальном образовании Славянский район» позволила обеспечить школу новыми музыкальными  инструментами, компьютерным оборудованием, приобрести костюмы и сценическую обувь, совершенствовать систему эстетического воспитания детей и подростков.

Наиболее распространенным и востребованным музыкальным инструментом является фортепиано. Для полного курса обучения необходимо 7 лет. Что касается народных инструментов, то там срок обучения 5-7 лет. Стены этой школы вырастили многих заслуженных деятелей культуры Кубани и России.

1. Камерный ансамбль «Кантабиле»

Руководитель — Евтушенко Галина Васильевна.

Камерный ансамбль «Кантабиле» образован в 1997 году. Количественный состав — 11 человек профессиональных музыкантов. Жанр — исполнение камерной музыки. В состав ансамбля «Кантабиле» входят: 5 скрипок, фортепиано, контрабас, виолончель, флейта, кларнет, саксофон, солист. В репертуаре ансамбля: классическая музыка, музыка современных композиторов, джаз. С 1999 года коллектив имеет звание «Народный самодеятельный коллектив». Музыкальные произведения, исполняемые ансамблем «Кантабиле» различны по характеру и стилистике. Ансамбль участвует в концертах, культурно-просветительных мероприятиях, конкурсах, фестивалях проводимых в г. Славянске-на-Кубани, различных городах Краснодарского края (ежегодно более 40 концертов), а также принимает активное участие в районных и краевых смотрах-конкурсах исполнительского мастерства: фестиваль «Кубанская музыкальная весна», региональный фестиваль скрипичной музыки в г. Новороссийске, Международный фестиваль Славянской культуры 2004-2008 гг. В рамках краевой целевой программы «Открытые уроки музыки в отдаленных сельских школах Краснодарского края» в течении 2006-2008 гг. слушателями уроков-концертов ансамбля «Кантабиле» стали дети Славянского, Крымского, Темрюкского, Усть-Лабинского, Северского, Гулькевичевского, Кавказского, Приморско-Ахтарского, Красноармейского районов (более 40 концертов). Концертная деятельность камерного ансамбля «Кантабиле» отмечена многочисленными дипломами Лауреатов, дипломантов 1, 2, 3 степеней, грамотами. За время работы ансамбля (10 лет) подготовлены тематические программы: «Путешествие в страну музыки», «Музыка нас связала», «Душа русского романса».

Заключение

Музыка в переводе с греческого означает "искусство муз". У каждого народа есть своя народная музыка и свои музыкальные инструменты. На Руси первыми появились деревянные трубы и рога, колокольчики, глиняные свистульки, флейта и т.д. Похожие инструменты есть и у других народов. Но есть такие инструменты, которые тесно связаны с бытом именно русского народа.

Народная поговорка говорит: «Не я пою, душа поет». Песня – это пища души. А душа вечна!

Русская народная песня, корни которой уходят в далекое прошлое имеет богатую и интересную историю, которая неразрывно связана с историей России и ее маленькими частями - нашими селами.

В специальной литературе подробно описываются различные жанры фольклорной музыки. Интересно было еще узнать о том, какие фольклорные жанры прижились в наших родных селах. Мы, безусловно, когда-то могли слышать и песни (лирические, обрядовые, праздничные), плясовые, частушки и страдания, колыбельные и потешки, игровые хороводы. Но никакие книжки не смогут передать красоты звучания русской песни. Чем больше слушаешь и узнаешь, тем больше они затягивают, заманивают. Постигая подлинное народное искусство, становится понятно, что человек достигает с песней высоты нравственности, душевного света, доброты, сострадания. Он учится чтить старинные обычаи и обряды. И отныне уже никогда не потеряет связи с Землей, что взрастила и вскормила, и, где бы ни жил он – в городе или деревне, - будет ощущать свои корни. И народная песня уже никогда не уйдет из его памяти.

Как не потерять это великое песенное искусство, песенную традицию, созданную многими поколениями русских людей? От кого зависит, чтобы народная песня не забывалась и исполнялась? Начать нужно с себя. Уходят из жизни наши прабабушки, а мы, вдруг, осознаем, что не спросили у них, как они жили, как любили, о чем пели, на каких инструментах играли. И не появилась бы эта работа, если бы в свое время моя прабабушка не спела эти песни своей дочери (моей бабушке), а бабушка не передала их моей маме. Теперь и я знаю и ценю этот бесценный дар, который просто обязана сохранить и передать дальше.

Понятно, что эта работа, как капля в море. И работать над этой темой можно практически бесконечно, в самых разных направлениях. Мы планируем продолжить собирать и записывать фольклор русской деревни, попытаемся проследить, как песни «путешествуют».

Список используемой литературы

1. Аникеева Т.Я. Психологический анализ аудитории телепрограмм, посвященных классической музыке // Вестник МГУ. Сер.14. Психология.- 1999.- №4.- С.49-61

1. Басов В. Психотренинги с музыкой. Практический курс современной психотерапии. 2000. 320с.

1. Выготский Л.С. Психология искусства. - М.: Искусство, 1986.- 572с.

1. Гарбузов Н.А. Зонная природа динамического слуха.- М.: Гос. муз. изд-во.,1955.- 107с.

1. Ержемский Г.Л. Психология дирижирования: Некоторые вопросы исполнительства и творческого взаимодействия дирижера с музыкальным коллективом. - М.: Музыка, 1988.- 80с.

1. Иванченко Г.В. Восприятие музыки и музыкальные предпочтения // Психологический журнал.- 2001.- Т.22, №1.- С.72-81.